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Der Titel der Edition „Proofs“ (2022) der in Berlin lebenden Künstlerin Viktoria Binschtok bezieht sich zunächst auf das gezeigte Material: schmale, längliche Probestreifen, die auf den künstlerischen Schaffensprozess verweisen. Eine identisch aussehende Wandinstallation zeigte Binschtok letztes Jahr in ihrer Einzelausstellung im Oldenburger Kunstverein. Die Bilder überlagern sich, die Arbeiten folgen dem Prinzip der Collage. Die Künstlerin konfrontiert eigene Fotografien mit der Bilderflut im Internet, nutzt die Algorithmen der Suchmaschinen als Sortierungshilfe, die rein visuellen Kriterien folgt. Bei der Betrachtung laden sich die Bilder dann mit Bedeutung auf, lösen geradezu Assoziationsgewitter in unseren Köpfen aus. Ob kommerziell oder privat, bearbeitet oder unverfälscht, Original oder Kopie – solche Qualitätskriterien bleiben uns hier zumeist verborgen, was wiederum auf die Fallstricke heutigen Sehens verweist. Doch indem Binschtok die webbasierten Bilder eindrucksvoll re-inszeniert, verweist sie auf die Kraft der menschlichen Kreativität.

Stoff war der Stoff, aus dem die Träume von Christo (1935‒2020) und Jeanne-Claude (1935‒2009) waren. Und es brauchte viel Stoff, denn ihre Fantasien waren groß: Sie verhüllten einen Küstenstreifen in Australien, spannten einen Vorhang durch ein Tal in den Rocky Mountains, stellten 1.340 blaue Schirme im japanischen Ibaraki und 1.760 gelbe Schirme in Kalifornien auf oder errichteten Tore mit Stoffbahnen auf einer Strecke von 37 Kilometern im New Yorker Central Park.
Schon als Mittzwanziger hatte Christo begonnen, Dosen, Flaschen und andere kleine Gegenstände in Stoff einzupacken. „Als ich zum ersten Mal in sein Studio kam und all diese Pakete sah, dachte ich, um Himmels willen, der Mann ist übergeschnappt“, erzählte Jeanne-Claude einmal in einem Interview. Im Jahr 1961 realisierten sie und Christo ihr erstes gemeinsames Projekt und verhüllten zahlreiche Fässerstapel im Kölner Hafen.

Die Landschaft ist in den Werken der Berliner Künstlerin Michelle Jezierski Ausgangspunkt für Fragen des Raumes und unserer Wahrnehmung davon. Farbschichten türmen sich wie Wolken, Wellen oder Felsen auf, häufig überzogen von geometrischen Formen, die zusätzliche Tiefe und Dynamik erzeugen. Hell- und Dunkelkontraste, gedeckte und leuchtende Farben bestimmen die Atmosphäre darin, die uns Betrachter*innen auf ganz unterschiedliche, emotionale Weise einnimmt, so unterschiedlich wie das Licht an einem Morgen, im Vergleich zu dem am Tag und Abend oder in der Nacht.

Trau' keiner Fotografie! „Malerei ist eine Lüge, die näher an der Wahrheit ist als Fotografie“, so formulierte es Eberhard Havekost (1967‒2019). Und stiftet uns bis heute mit seinen Bildern an, unsere Wahrnehmung zu hinterfragen. Der in den 90ern neben Neo Rauch und Thomas Scheibitz zum neuen Superstar der ostdeutschen Malereiszene auserkorene Dresdner Künstler verfremdete beispielsweise Sonnenuntergänge so, dass die Apokalypse bei der Sehnsucht Pate steht, die den Menschen angesichts dieses Naturschauspiels von jeher befällt. „The End“ hat Havekost, ab 2010 Malereiprofessor an der Düsseldorfer Kunstakademie, diese Serie genannt. Er glaubte nicht an ein bezifferbares Wesen der Dinge, er glaubte an die Widersprüche – und die darin liegenden Chancen.
Havekosts Werke befinden sich in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York und des Denver Museum sowie in der Sammlung Marx, in der in Miami ansässigen Rubell Family Collection oder auch in der Sammlung Frieder Burda in Baden-Baden und in der Londoner Tate Collection.

Die Landschaft ist in den Werken der Berliner Künstlerin Michelle Jezierski Ausgangspunkt für Fragen des Raumes und unserer Wahrnehmung davon. Farbschichten türmen sich wie Wolken, Wellen oder Felsen auf, häufig überzogen von geometrischen Formen, die zusätzliche Tiefe und Dynamik erzeugen. Hell- und Dunkelkontraste, gedeckte und leuchtende Farben bestimmen die Atmosphäre darin, die uns Betrachter*innen auf ganz unterschiedliche, emotionale Weise einnimmt, so unterschiedlich wie das Licht an einem Morgen, im Vergleich zu dem am Tag und Abend oder in der Nacht.

Mir liegt das Direkte und Schnelle, es ist am radikalsten“, sagt Jonathan Meese. Das ist im druckgrafischen Werk des genreübergreifend arbeitenden deutschen Künstlers gut ablesbar. „Zardoz“-Bezüge ziehen sich durch Meeses Werk. „Ich habe 'Zardoz' mit zwölf gesehen. Und der ist mir nie mehr aus dem Kopf gegangen“, sagt er. Der Kopf der Gottheit ist fest verankert in Meeses Zeichenvokabular – ebenso wie das Eiserne Kreuz, mit dem er jedoch keinesfalls Botschaften verknüpft wissen möchte. Von dem endlosen Gebrauch verspricht er sich vielmehr das Gegenteil: das Todlaufen jeglicher Ideologie. Für Meese ist Kunst Spiel und Spiel Kunst – das Gegenteil von Ideologie, Politik und Religion.

In ihren Papierarbeiten mit Marker und Acryl fängt die Künstlerin Katharina Arndt mit Ironie und Witz unsere Gegenwart ein. „Ich würde meine Motive als 21. Jahrhundert beschreiben“, sagt sie. Wir sehen Frauen in knappen Outfits und mit dem Handy in der einen und der Designer-Bag in der anderen Hand. Mit welcher Leichtigkeit die 1981 geborene Wahlberlinerin ein weit verbreitetes Lebensgefühl und seine Abgründe aufs Papier bringt, zeugt von großer künstlerischer Intuition.</p>
<p>Nicht nur die Motive, sondern auch die Materialien, mit denen Arndt Kunst schafft, spiegeln das Jetzt: Neben Lackstiften und glänzender Acrylfarbe verwendet sie PVC-Folie, Lackpapier oder Plexiglas. Und auch ihre Figuren könnten kaum stärker mit der Gegenwart verbunden sein. „Sie sind sozial hoch aktiv und zugleich sozial isoliert“, sagt Arndt. Ihre Malereien, Zeichnungen und Leuchtschriften zeigen die Oberfläche, erzählen allerdings viel mehr – und bleiben in ihrer Bewertung höchst ambivalent. Das macht Arndts Werke umso wirkungsstärker. Denn wer wollte schon abschließend beantworten können, wie das ideale Frauenbild oder der ultimative Lifestyle aktuell auszusehen haben? Wir sind – wie zu allen Zeiten – mittendrin im Verhandlungsprozess, auch mit uns selbst.

K.O. Götz (1914‒2017) machte früh auch international auf sich aufmerksam: 1958 war er auf der Biennale in Venedig vertreten und 1959 nahm er an der documenta II in Kassel teil. Ebenfalls schon Ende der 50er Jahre erhielt er eine Professur an der Kunstakademie Düsseldorf. Zu seinen Schülern gehörten zahlreiche später bedeutende Künstler wie Gerhard Richter, Sigmar Polke, Gotthard Graubner und Franz Erhard Walther. Seine Werke sind in zahlreichen nationalen und internationalen Sammlungen vertreten, darunter die Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, die Nationalgalerie Berlin, das Stedelijk Museum Amsterdam, die Albertina Wien und die Tate Modern London.

Drei frühe und für ihren Erfolg grundlegende, später immer wieder variierte Arbeiten vereint Rosemarie Trockel in ihrem Seidentuch „o.T.“. Mit dem schwarzen Kreuz zitierte sie bereits in einem ihrer berühmten Strickbilder, „Who will be in in '99?“, in ironischer Anspielung auf die in den 80er Jahren aufkommenden Künstler*innen-Rankings den Suprematisten Kasimir Malewitsch und mit dessen „Schwarzem Kreuz“ ein zentrales Werk der Moderne, während sie mit ihren „Herdplatten“-Bildern Bezug auf die abstrakte Malerei des russischen Konstruktivismus nimmt. Beides ‒ das Stricken wie die Herdplatte ‒ verweist in Materialität bzw. Motivik auf eine häuslich und damit weiblich konnotierte Sphäre. Trockels Werke sind feministische Kommentare auf die männlich dominierte Kunstgeschichte. Ihr – ebenfalls gestrickter – „Schizo-Pullover“ mit zwei Rollkragenöffnungen für zwei Köpfe, ursprünglich im gender-unspezifischen Schwarz, macht wiederum deutlich, dass in einer Person immer mehr als nur eine Persönlichkeit oder Rolle verborgen ist. So machte sich Trockel als zunächst einsame Künstlerin unter Künstlern weibliche Zuschreibungen selbstbewusst zu eigen und spiegelte sie zurück in die sich erst langsam diverser entwickelnde Kunstwelt. Zugleich lassen Format und exakte Maschen ihrer Werke eine industrielle Herstellung durch computergesteuerte Strickmaschinen vermuten. Darin schließt Trockel an eine von der handwerklichen Beteiligung des Künstlers unabhängige Praxis an. In Gegensatz zum Strickhandwerk tritt die Reproduzierbarkeit ihrer Bilder.

Sarah Morris, born in the US in 1967, is considered among the world’s most successful contemporary artists. She became well known as a result of her abstract paintings, whose geometric structures mirror skyscraper facades and question the architecture of modern metropoles. Urban landscapes and constructions are also the subjects of her films, in which she paints portraits of cities such as Washington, Las Vegas, New York or Los Angeles. Morris’ passing looks at events that determine a big city has been highly praised: “Capital (Washington D.C.)”, for example, shows the hustle and bustle around the White House during the last days of the Clinton Administration, whilst in “Los Angeles”, Morris observes Hollywood stars like Warren Beatty amid preparations for the Academy Awards.

Bei seiner steten Suche nach einem Ausdruck für die Tiefen und Untiefen des Seins kam Lothar Quinte (geb. 1923 im oberschlesischen Neisse, heute Nysa; gest. 2000 in Wintzenbach im Elsass) ganz ohne Figuren aus. Zeit seines Lebens verzichtete er auf jede Form von Gegenständlichkeit. In seiner frühen Schaffensphase dominierte die gestische Malerei – Quinte wollte seinem Lehrer HAP Grieshaber etwas entgegensetzen. Er pflegte enge Kontakte zu Informel-Künstlern wie Pierre Soulages, Hans Hartung oder Wols und wurde selbst einer der Protagonisten dieser abstrakten Richtung der Malerei, wie er sich auch der Bewegung simulierenden Op-Art zugehörig fühlte. „Was ich male, bin ich“, sagte der documenta-Künstler einmal. Weil er jedoch jedwede figurative Festlegung vermied, werden seine Werke gleichzeitig zum Spiegel für den*die Betrachter*in.

Auch in Lothar Quintes Serigrafien-Serie „Quasar“, entstanden in der Hochphase seines künstlerischen Schaffens Mitte der 70er Jahre, wird Kunst zum optischen Erlebnis. Die geometrische Form des Kreises dominiert neben Falt-, Fächer- und Schlitzbildern bereits ab etwa 1965 sein Werk. Durch leuchtende Farben, etwa Gelb, Pink oder Türkis, wirken die Kreisformen wie illuminiert. Assoziationen mit Himmelskörpern wie der Sonne werden geweckt. Dazu täuschen Hell-Dunkel-Effekte eine Tiefendimension vor, deren Sog wir uns als Betrachter*innen kaum entziehen können. Der Titel verrät die Spur: Quasare gehören als helle, aktive Zentren einer Galaxie zu den mächtigsten Energiequellen unseres Universums. In ihrer Mitte befindet sich ein Schwarzes Loch. „An der Malerei interessiert mich einzig und allein das optische Ereignis“, hat Quinte über seine Kunst gesagt. Ein Ereignis sind seine Kreisbilder allemal, ebenso wie eine verlockende Einladung zur Kontemplation.

Die Idee für ein Kunstwerk ist bereits das Kunstwerk selbst ‒ Lawrence Weiner (1942-2021) hat den Kunstbegriff radikalisiert. In den sechziger Jahren, einer der bedeutendsten Dekaden der Gegenwartskunst, leistete er Pionierarbeit: Er machte Sprache zum Medium der bildenden Kunst. Mit seinen Textbotschaften demokratisierte er die Kunst. Der Künstler als Autor mit Deutungshoheit rückte in die Ferne, der Betrachter geriet ins Zentrum. Wie selten zuvor lag es an ihm, ein Werk gedanklich zu vollenden. 1968 bekräftigte Weiner in drei kurzen Leitsätzen, dass ein Kunstwerk keine physische Gestalt mehr annehmen muss: „1. Der Künstler kann die Arbeit herstellen. 2. Die Arbeit kann angefertigt werden. 3. Die Arbeit muss nicht ausgeführt werden.“

Wir freuen uns sehr, Ihnen heute mit "The new angel" eine limitierte Edition hinter Acrylglas von Cao Fei vorzustellen, die 2022 im Rahmen des Projektes "Eiserner Vorhang" für die Wiener Staatsoper entstanden ist. Die dortige Brandschutzwand zwischen Bühne und Zuschauerraum wird hier in einen temporären Ausstellungsraum für zeitgenössische Kunst verwandelt. Für den 25. Eisernen Vorhang gestaltete Cao Fei "The New Angel", das Portrait einer jungen Frau, die mit ihrer silbergrauen Haut und ihren traditionellen seitlichen Haarknoten an ein Wesen aus der digitalen Welt erinnert, das den Namen "China Tracy" trägt.
Cao Fei schrieb dazu: "Mitfühlend wie eine Buddha Statue beobachtet China Tracy die reale Welt ohne Antworten zu geben".

A swim ring’s shadow shimmers in the turquoise of a hotel pool. The angular railing of a single stair step appears like a sculpture, out of place. A dissimilar pair of palm trees reaches into the infinity of the clear blue sky, one of them completely in white. Its shadow likewise appears misplaced: Its stage is a light green wall adjacent to a deserted parking space. Shadows, palm trees, anonymous buildings, lifeless places, bizarre details — photographer George Byrne, born 1976 in Sydney, looks where nothing appears to be happening at all. But the street and landscape photography radiates, it is pure joie de vivre. A road movie that passes through enchanting colours, glimmering lights and unusual image compositions.
Byrne graduated from Sydney College of The Arts in 2001, travelled extensively, and then settled in Los Angeles in 2010 where he has been focusing on his photographic practice.

Zwischen der zügigen Malweise und den vielschichtigen Verweisen innerhalb der Kunstgeschichte im Werk von Günther Förg scheint zunächst ein Widerspruch zu bestehen. Aber gerade darin zeigt sich seine künstlerische Sensibilität: Grundlage seines Arbeitens war stets die Offenheit gegenüber Einflüssen von außen – die sich auch in seiner Vielseitigkeit zeigte, denn Förg arbeitete als Maler, Fotograf und Bildhauer – bei gleichzeitiger Fähigkeit und Bereitschaft zur Selbstreflektion.
Geboren 1952 im bayrisch-schwäbischen Füssen, studierte Förg in der Klasse des informellen Malers Karl Fred Dahmen an der Akademie der Bildenden Künste in München, an der er später selbst eine Professur innehatte. Seit Beginn der 1980er-Jahre sind seine Arbeiten in internationalen Ausstellungen präsent, die er zu Lebzeiten meist selbst kuratierte – Günther Förg starb 2013 im Alter von nur 61 Jahren.

Das menschliche Ich im digitalen Zeitalter hinterfragt Louisa Clement (geb. *1987) in Fotografien, Videos, Wandarbeiten, Skulpturen und VR-Arbeiten. 55 Porträts von Schaufensterpuppen zeigte sie 2014 in ihrer Abschlussarbeit „heads“ als Meisterschülerin des Fotografen Andreas Gursky an der Kunstakademie Düsseldorf. Es sind Köpfe ohne Mund, Nase und Augen, gesichts- und geschlechtslos, „ein ideales Sinnbild für Normierung“, sagt die Künstlerin. In ihrem Werk „Repräsentantinnen“ hat Clement nun – in Zusammenarbeit mit einer auf Sexpuppen spezialisierten chinesischen Firma – mit künstlicher Intelligenz ausgestattete Doubles ihrer selbst geschaffen, die sich bewegen und kommunizieren können und die sie mit ausuferndem Wissen über sich selbst gefüttert hat. Wer bin ich, was repräsentiere ich, was unterscheidet mich von meinem Abbild, wer will ich sein? Clement reflektiert in ihren Werken auf eindrückliche Weise dringlich-zeitgemäße Fragen in Zeiten permanenter Selbstbespiegelung.

„Color is life and nature. It is pure sensibility, poetry, imagination, abstraction, and joy“, sagt die brasilianische Malerin Beatriz Milhazes. All das spiegelt sich auch wider in ihrer farbenfrohen Lithografie „Pink Sunshine“. Die Vorlage für das von sanften Pastelltönen dominierte Werk ist zur Verhüllung des Brandschutzvorhangs in der Wiener Staatsoper entstanden – ursprünglich 176 Quadratmeter groß und ausgewählt von einem renommierten Juroren-Trio im Rahmen des Kunstprojekts „museum in progress“. Organische treffen bei Milhazes auf geometrische Formen. Tiefe entsteht durch Überlappung und durch die Spiritualität, die sie beispielsweise in den Ornamenten brasilianischer Indigener entdeckt. Kreise und andere Bildelemente verweisen immer wieder zurück auf die Natur – wie in „Pink Sunshine“ auf die Sonne und den Sand, Blumen und Blätter, den Himmel und das Meer mit seinen Wellen, mal still, mal aufgewühlt, wie das Leben selbst.

Futuristische Architektur hat es Bernd Rathjen angetan. Davon zeugt nicht nur seine viel beachtete Serie über den in den 1970er Jahren errichteten Flughafen Tegel in Berlin. „Kühn und knuffig, kantig und klar“, so präsentierte der Fotograf laut Kuratorin und Galeristin Nadine Barth den hochgeschätzten Bau, dem er damit ein detailreiches Denkmal setzte. Ebenfalls in Rathjens Lieblingsjahrzehnt fällt der Baubeginn von „Le Palais Bulles“, einem Wohnlabyrinth des ungarisch-französischen Architekten Antti Lovag mit Kuppeln, Bullaugen und ellipsenförmigen Fenstern. Wie Lovags Designikone liegt auch die Luxusresidenz „La Palmeraie“ an der Côte d’Azur, beide Anlagen öffnen sich zum Meer hin. Ihnen vergleichbar sollte auch der von Oscar Niemeyer entworfene „Palácio da Alvorada“, der Präsidentenpalast in Brasiliens Hauptstadt Brasília, für die Zukunft stehen. Rathjen fotografiert diese spektakulären Orte aus vergangener Zeit in Schwarz-Weiß, was ihre Formensprache noch einmal unterstreicht. Und er nimmt in jeder dieser Fotografien zwei charakteristische Komponenten in den Blick: Palmen und Pools. „Photographs while traveling“ steht in seinem Instagram-Profil. Wer Rathjens Bilder betrachtet, schärft auch den eigenen Blick.

Bonaches Arbeiten zeugen von mehr als nur dem Quell weiblicher Sinnesfreuden, sie verweisen auch auf sehr heutige, feministische und, ja, auch teils schmerzhaft bzw. kämpferisch besetzte Themen wie „Female Gaze“ und „Body Positivy“. Bonaches von jeglichem Zwang zum Naturalismus befreiter Umgang mit Farbe und Form stellt der kunsthistorischen Kumpanei zwischen Malerei und männlichem Blick eine sehr lebendige und explizit weibliche Perspektive entgegen. Wer möchte sich nicht auch in diesem Spannungsfeld zu neuen Betrachtungsweisen, Vorstellungen und zukunftsweisenden Phantasien ermutigen lassen? Hier bekommen Sie: female empowerment in Dolby color.

„Mary, I see you as an extraordinarily beautiful woman who needs to be defined, described, articulated in an authentic way that celebrates the complexity and depths of your beauty and your internal self.“ Mary ist die R'n'B-Sängerin Mary J. Blige, und wer sie hier anspricht, ist Carrie Mae Weems. Die afro-amerikanische Künstlerin hat sich schon früh ein Ziel gesetzt: Schwarze Frauen jenseits existierender Stereotype zu zeigen. „MJB-Reflection“ heißt die Foto-Edition, die nicht nur auf die Initialen, sondern auch auf die komplexe Welt der Selbst- und Fremdwahrnehmung verweist: Mary J. Blige, posierend in einem Balmain-Kleid, selbstbewusster Blick, mehrperspektivisch gespiegelt bis ins Unendliche – und so komplex und tief wie fast nur Weems das kann.

Das Werk der Malerin Sara Bonache ist die künstlerische Repräsentation von Weiblichkeit, Wachstum und Wärme per se. Ihre sinnliche Malerei spielt mit der Verbindung von botanischen Anmutungen und Imaginationen weiblicher Anatomien, ohne dass sie dabei zu konkret oder gar obszön wird. Auch die drei Unikat-Pastellarbeiten auf Papier lassen viel Raum für Phantasie, und es fällt nicht schwer, sich bei ihrem Anblick fortzuträumen zu prickelnd-aufregenden Sommernächten in den Gärten Barcelonas, der Stadt, in der die Künstlerin lebt und arbeitet.

Nam June Paiks meditierender, im Fernsehen sein eigenes Bild betrachtender „TV-Buddha“ (1974) ist eine Ikone der Videokunst. Schon ein Jahrzehnt früher hatte der Medienkünstler eine der ersten tragbaren Videokameras gekauft und verkündet: „Das Fernsehen hat uns ein Leben lang attackiert, jetzt schlagen wir zurück und machen unser Fernsehen selbst.“ Die TV-Monitore bevölkerten bereits früh und nachhaltig sein Werk. Neben Mensch-Maschine-Hybriden spielen auch Hunde dabei eine wichtige Rolle. So baute Nam June Paik Hundeskulpturen aus Fernsehgeräten mit Titeln wie „Watchdog“ oder „Dogmatic“ und entwickelte damit schon früh eine eindrückliche künstlerische Form, um auf die Gefahren von Überwachung und Indoktrination aufmerksam zu machen. Sein 1994 entstandener „TV Dog“, angelehnt an den berühmten „TV-Buddha“, steigert die Selbstbespiegelung ins Unendliche. Der Mensch hinter dem beliebten Haustier ist hier immer mitzudenken: Der Hinweis „His Master’s Choice“ deutet hin auf Abhängigkeitsverhältnisse und verborgene Machtstrukturen ‒ wie auch auf Paiks stets von Humor geprägte Strategien, uns mit den Fallstricken des modernen Lebens zu konfrontieren.

Ein Pressebild ist Grundlage für Thomas Ruffs signierte Edition „Q.i.C.“ („Queen in Car“) aus dem Jahr 2021. Darauf zu sehen: die jüngst zu Grabe getragene Königin Elizabeth II. mit ihrem Ehemann Prinz Philip, Duke of Edinburgh, und ihrer Schwester Prinzessin Margaret in einer schwarzen Limousine bei der Ankunft am Marlborough House in London, wo ihre Großmutter Queen Mary seinerzeit, 1953, im Sterben lag. In der Edition sehen wir das Bild einmal mit, einmal ohne erklärenden Text. Was erzählt es uns ohne die konkrete Einordnung in seinen Kontext? Zwischen 1981 und 1991 schuf Ruff schon einmal eine ganze Serie aus Zeitungsfotos, die er gesammelt hatte. Er reproduzierte sie ohne Bildunterschrift in doppelter Spaltenbreite, um das Verhältnis zwischen Fotograf*innen und Zeitungsredakteur*innen sowie deren Einflussnahme auf den Informationsgehalt einer Nachricht zu hinterfragen. „Ich interessiere mich mehr für das Bild als für die Wirklichkeit“, sagte der Künstler einmal. Er schenkt uns dadurch auch die Möglichkeit, genauer und vorurteilsfreier hinzuschauen.

„Maison Margiela couture 2022“, „Versace 2023 spring RTW” oder “Balenciaga Haute Couture 2022” – die Titel der Unikate von Naja Conrad-Hansen verraten bereits, dass die Künstlerin eine enge Verbindung zur Welt der Fashion hegt. In den Arbeiten aus dem Jahr 2022 manifestiert sich ihre Faszination für Mode einmal mehr – für die Stoffe und Materialien, Entwurfsideen oder Inspirationsquellen wie das Tierfell in „Paper carousell leopard”. Sie spiegeln das der Haute Couture zugrunde liegende Handwerk genauso wie eine unbändige Kreativität. So schickt uns Naja Conrad-Hansen auf eine Reise durch verschiedene Kulturen und Jahrhunderte und beflügelt auf wunderbare Weise unsere eigene Fantasie.

Ursprünglich begann Nam June Paik (1932‒2006) seine künstlerische Laufbahn als Komponist. Sein Lehrer Wolfgang Fortner hielt den gebürtigen Koreaner allerdings für eine „so extraordinäre Erscheinung“, dass er sich nicht für ihn zuständig fühlte und ihn an das Studio für Elektronische Musik beim WDR in Köln empfahl. Hier traf er auf Karlheinz Stockhausen und auch Joseph Beuys wurde zu seinem künstlerischen Wegbegleiter. Entscheidend war die Begegnung mit dem amerikanischen Komponisten John Cage 1958. Danach ging Nam June Paik mit seiner Aktionsmusik ganz neue Wege – und als „destruction artist“ in die Kunstgeschichte ein. „Das Klavier ist ein Tabu. Es muss zerstört werden.“ Das ist so ein Paik-Satz aus dieser Zeit. Dazu gehören auch seine Experimente mit neuen Technologien, er gilt nicht zuletzt als Pionier der Videokunst. „Ich wollte das Fernsehen zu einer Kunstform erheben, die ebenso hoch geschätzt wird wie die Musik von Johann Sebastian Bach“, sagte er rückblickend auf sein reiches und vielbeachtetes Werk.

Daniel Richter, Jahrgang 1962, ist bekannt geworden durch seine Bilder in psychedelisch glühenden Farben, die meist einzelne Figuren oder Figurengruppen in apokalyptisch anmutenden Szenerien darstellen. Richter schaffe Bilder zur Weltgeschichte, in denen sich ein vieldeutiges Drama abspiele, er avanciere damit zum „modernen Historienmaler“, so die einhellige Meinung der Kunstwelt. Dass seine Arbeiten vielschichtig sind, teils verträumt, teils surreal, teils vollkommen abstrakt, beweist gerade eine große Schau im Wiener 21er Haus. Arbeiten von Richter befinden sich u. a. in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York, im Centre Pompidou in Paris und in der Sammlung Boros in Berlin.

Wim Wenders ist nicht nur als Filmregisseur weltberühmt, sondern auch als Fotograf. „Ich mache Aufnahmen von Dingen, die es gibt, und manipuliere nichts“, sagte er einmal über seine Herangehensweise. Umso mehr fasziniert sein fotografisches und filmisches Auge, das sich auch in seiner Edition „Girl in Window, Los Angeles“ offenbart. Die große Wirkmacht von Bildern wurde ihm nicht zuletzt in der kalifornischen Filmmetropole bewusst, in der er selbst vorübergehend lebte. „L.A. hat einen unglaublichen Einfluss auf die Kultur auf diesem Planeten, mehr als jede andere Stadt auf der Welt, aber es hat sich selbst infiziert mit seinen eigenen Bildern“, so Wenders. Die Auseinandersetzung mit dem Konflikt zwischen Fiktion und Realität bezeichnet er als grundlegend für sein Schaffen.

Das Wort Kreativität muss für Menschen wie Christoph Niemann erfunden worden sein, schaut man auf die Fülle seiner Ideen. Die Arbeiten des in New York wie Berlin gefeierten Illustrators sind genauso schlicht wie genial: Wenn ein Mohnbrötchen in Niemann´s Zeichnungen zum Dreitagebart mutiert, Bananen zu Hinterflanken eines Pferdes oder Eddings zu gestiefelten Beinen werden, nicken und schmunzeln wir zustimmend. Aber selber drauf gekommen wären wir nie! Seit acht Jahren postet Niemann, der visuelle Geschichtenerzähler, in seinem Sonntags-Blog „Abstract Sunday“ - früher „Abstract City“ - in der New York Times seine erfindungsreichen und humorvollen alltäglichen Beobachtungen

An A. R. Pencks frühes Vorbild Picasso erinnern nicht nur die kubistischen Anleihen in der Lithografie „Ariadne – Minotaurus“, sondern auch das Motiv: Keine andere Figur tritt so oft in den Werken des spanischen Malerstars auf wie der Minotaurus, eine Gestalt mit menschlichem Körper und dem Kopf eines Stiers. Und auch Penck greift immer wieder auf dieses Zwitterwesen zurück. Die Edition aus dem Jahr 1992 erzählt eine jahrtausendealte Geschichte: Laut der griechischen Mythologie half Ariadne, die Tochter des kretischen Königs Minos, dem späteren Herrscher Athens, Theseus, dabei, den Minotaurus zu besiegen. Auch dass sie als Fruchtbarkeitsgöttin verehrt wurde, scheint sich in Pencks Interpretation zu spiegeln. Die Linienführung sowie das geheimnisvolle Zeichenvokabular aus Strichfigur, Pfeil, Sonne oder Mond machen aus der Lithografie einen typischen Penck – grafisch kraftvoll und archaisch.

Marcel Dzama, 1974 in Winnipeg geboren, ist bekannt für seine detaillierten, feingliedrigen Zeichnungen. Gedämpfte Farben, obskure Figuren, erotische Motive und psychosexuelle Themen machen sein Werk unverwechselbar. Der kanadische Künstler arbeitet darüber hinaus mit Skulptur, Malerei und Video, zudem sucht er immer wieder die Möglichkeit zur Kooperation mit Kolleg*innen wie Raymond Pettibon, Kim Gordon, Spike Jonze und Dave Eggers.

Martin Parr liebt Pferderennen. Entsprechende Szenen hielt er in berühmten britischen Wettkampfstätten wie in seiner Heimatstadt Epsom, in Ascot, aber auch in Südafrika, Australien oder Dubai fest. Die Fotografie „Glenbeigh Races“ entstand bereits im Jahr 1983 im irischen County Kerry am Rossbeigh Beach, auf dem dieses Rennen seit 1924 veranstaltet wird. Parr fotografierte zu jener Zeit noch in Schwarz-Weiß, so auch bei weiteren traditionellen Events wie Pferde- und Viehauktionen oder religiösen Festen der Katholiken. Irland, wo er selbst zwei Jahre lebte, war damals gezeichnet von Rezession und hoher Arbeitslosigkeit. Die Edition „Glenbeigh Races“, 2021 signiert und in limitierter Auflage gedruckt, liegt seiner Collector’s Edition „From the Pope to a Flat White. Ireland 1979‒2019‟ bei. Irlands jüngste Geschichte lässt sich mit Parr wunderbar eindrücklich nachvollziehen.

Als Heinrich Heidersberger Ende der 40er Jahre seine später ikonisch gewordene Aktserie „Kleid aus Licht“ für die Zeitschrift „Stern“ fotografierte, löste das einen Skandal im prüden Nachkriegsdeutschland aus. Mithilfe selbstgebastelter Loch- und Lamellenmasken, die er vor eine leuchtstarke Lichtquelle hielt, warf der Künstler grafische Muster auf die nackten Körper – sein „Frauenakt“ von 1953 zeigt ein solches Kleid, gewebt aus Licht.

Die Frauen in Johannes Hüppis Bildern sind Repräsentationen des Weiblichen, alle einem Grundtraum des Künstlers entspringend, auch wenn ihre Züge und Eigenschaften variabel sind wie die Liebesgeschichten, die in seiner Malerei erzählt werden. Seine filmästhetisch durchdrungene, zwischen höchst subjektiv und kühl-distanziert changierende Bildsprache nimmt die Betrachter mit auf intime Reisen durch Landschaften und Interieurs, Alltags- und Traumregionen, in denen seine Protagonistinnen warten, flanieren, sich ausruhen oder der Liebe hingeben. Seine „Salome“ in der signierten Radierung aus dem Jahr 2011 ist direkt der Kulturgeschichte entsprungen. Sie hält den Kopf des Johannes, den sie auf Geheiß ihrer Mutter von ihrem Vater Herodes gefordert hatte, fast vorsichtig mit der rechten Hand. Was verrät uns ihr Blick? Der romantische Realist Hüppi überlässt das Weiterspinnen der Geschichten stets der Fantasie seines Publikums, das so Teil seines Werks wird.

Als „Kolbojnik“ beschreibt der Künstler Tal R den Stoff, aus dem seine Werke sind. Das hebräisch-jiddische Wort steht für den gemeinsamen Abfalleimer im Kibbuz, und der in Israel geborene Däne deutet damit an, dass es eine große Bandbreite an Themen ist, die er in seinen Arbeiten „recycelt“. Tal R bewegt sich auf den Feldern der Malerei und der Installation ebenso wie auf denen der Mode oder der Skulptur; er bedient sich populärer Sujets wie des Comics, der Videospielästhetik und der Musik. Gleichzeitig leuchten immer wieder Momente der Kunstgeschichte auf.

„Splendid Isolation“ lautet der Titel der so entstandenen Mappe in Anlehnung an die politische Selbstisolierung, die das Vereinigte Königreich einst im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert zur Wahrung des europäischen Mächtegleichgewichts freiwillig wählte. „Splendid“? Das kommt auf die Perspektive an! Intim, unbeeindruckt, zart, ratlos, melancholisch – die emotionale Bandbreite der in der Tabor-Mappe versammelten 40 Druckgrafiken, die von zwei Texten von Durs Grünbein begleitet werden, ist groß. Auch ein Holzschnitt und eine Spiegelfolie liegen bei.

Es greift zu kurz, Lothar Wolleh einfach nur als Fotografen zu bezeichnen. Er war ein leidenschaftlicher Freund und Förderer der Kunst, zugleich war er selbst ein Künstler ‒ ein Künstler, der andere Künstler fotografierte, einer, der mit technischer Präzision sein Medium, die Fotografie, herausforderte und innovative Projekte in Form von Künstlerporträts, Künstlerbüchern oder thematischen Fotomappen anschob. Neben Joseph Beuys lichtete Wolleh unter anderem Lucio Fontana, René Magritte, Otto Piene, Man Ray und Günther Uecker sowie deren Werke ab, oftmals aus eigener Initiative. Entstanden sind Arbeiten, die von großer Sensibilität und einem feinen Gespür für Bildkompositionen zeugen.

Lothar Wollehs Werk geriet nach seinem Tod 1979 zunächst in Vergessenheit. Erst im Jahr 2005 fand in der Kunsthalle Bremen eine große Einzelausstellung mit dem zutreffenden Titel „Lothar Wolleh. Eine Wiederentdeckung ‒ Fotografien 1959‒1979“ statt. Die Schau wanderte im Anschluss in das Ludwig Museum Koblenz, das Kunstmuseum Ahlen und das Stadtmuseum Hofheim am Taunus weiter. 2012 zeigte der Hamburger Bahnhof ‒ Museum für Gegenwart in Berlin Wollehs im Januar 1971 entstandene Fotos von Joseph Beuys im Stockholmer Moderna Museet. Zu aktuellen Ausstellungen siehe https://www.lothar-wolleh.com/de/ausstellungen/.

Seit über 30 Jahren richtet Candida Höfer ihre Kamera auf die Innenräume von Kulturstätten. Ob Museumshallen, Bibliotheken oder auch einmal ein Zoologischer Garten: Bei Höfer sind sie völlig menschenleer, aber zugleich voll gefühlter Anwesenheit und gelebter Geschichte – das ist zum Markenzeichen der gebürtigen Eberswalderin geworden. Dabei manipuliert die Künstlerin nichts: Kein Stuhl in der Kantine des Spiegel-Verlags wird verrückt, kein Vorhang im Florentiner Palazzo Vecchio beiseitegeschoben. Mit der Kamera hält sie rare Momente der Leere und Stille in diesen Räumen fest und bewahrt damit auf Ewigkeit die Vermächtnisse unserer Vergangenheit.
Neben Thomas Ruff, Andreas Gursky und Thomas Struth steht Candida Höfer längst an der Spitze der internationalen Kunstszene. Ihre Arbeiten sind in Sammlungen wie den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München oder der Londoner Tate Collection vertreten.

Die handsignierte Radierung „Raumecke, Filz, Fett“ von 1982 gehört zu Joseph Beuys’ grafischem Zyklus „Suite Zirkulationszeit“. Für diese Serie aus insgesamt 21 Blättern hat er neben Tieren und menschlichen Figuren auch diese Raumecke gezeichnet, die auf den ersten Blick an eine technische Zeichnung erinnert. Für Beuys hatte Fett jedoch stets eine besondere Bedeutung als Wärme speicherndes Material ‒ um die Speicherung von Energie als Verweis auf sich kontinuierlich verändernde Existenz- und Konsistenzzustände ging es Beuys in seiner Kunst. Und so erscheint es nur logisch, dass er den sorgfältig gestalteten Stempel „Hauptstrom“ mit (Braun-)Kreuz prominent auf dieser Grafik platziert, womit seine Edition klug-beiläufig zu einer wichtigen Botschafterin seiner Kunsthaltung wird.

Diese Farben! Diese Gesten! Die abstrakten Werke des französischen Künstlers Franck Noto (*1980 in Montpellier) erinnern in ihrer Intensität an Naturschauspiele, deren wirkungsvoller Zauber nie ganz zu greifen ist. So lässt sich seine exklusiv für artflash entstandene signierte Serigrafie mit dem Titel "Swimming Circles“ mühelos mit den Pastelltönen des Himmels bei auf- oder untergehender Sonne assoziieren. Gleichzeitig lässt der Duktus seiner Arbeiten keinen Zweifel daran, dass sie tief in der Graffiti-Kunst wurzeln – Noto begann bereits als 15-Jähriger zu sprayen und reiste später als ZEST mit dem Kollektiv TDM um die Welt. Aus diesem Spannungsverhältnis entwickelt sich ein erstaunlicher Sog, ein verführerisches und singuläres visuelles Vokabular, das keiner rationalen Entschlüsselung bedarf.
Franck Notos Werke sind in internationalen Solo- und Gruppenausstellungen zu sehen. Seine künstlerische Handschrift zeigt sich auch in zahlreichen Murals an Orten weltweit, darunter Montpellier, Bordeaux, Buenos Aires, Las Vegas, Zaragoza oder Heidelberg.

Wolfgang Tillmans, 1968 geboren, gilt als einer der wichtigsten deutschen Fotokünstler. Bekannt wurde der Turner-Preisträger in den 1990er-Jahren als Chronist seiner Zeit mit ungeschönten Porträts seiner engsten Freunde, etwa in der Serie „Chemistry Squares“ (benannt nach einem Club in London), 15 kleinformatigen Schwarz-Weiß-Bildern von Jugendlichen auf Ecstasy. Der gelebte Moment wird in diesen Arbeiten öffentlich gemacht und das Private zur Kunst erhoben, aber der Schein trügt: Seine „Schnappschüsse“ sind sorgsam komponiert. Tillmans’ vielschichtiges Werk umfasst neben Porträts auch Stillleben, Abstraktes, All-Over-Installationen sowie Fotografien auf Basis von Fotokopien.

Sein malerisches Schlachtfeld war die geometrische Abstraktion. Und ihr fügte Victor Vasarely durch raffinierte Raumsuggestionen eine entscheidende Komponente hinzu: den optischen Effekt. Deshalb gilt der in Ungarn geborene Künstler (1908‒1997) als Vater der sogenannten Op-Art. Diese fordert uns mit wahrnehmungspsychologischen Wirkungen von Bildmustern heraus, löst Bewegungs- oder Flimmereffekte auf der Netzhaut aus. In die Kunst Vasarelys flossen auch seine Erfahrungen als Grafiker ein. Für die Olympiade in München 1972 entwarf er das offizielle spiralenförmige Logo. Und auch die Raute von Renault entstammt seinem Zeichenblock. Von 1955 bis 1968 waren seine Arbeiten regelmäßig auf der Kasseler Documenta zu sehen. Vasarely gründete im Jahr 1976 die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence. In seiner Geburtsstadt Pécs eröffnete 1976 das Vasarely-Museum. Ein weiteres folgte 1987 in Budapest.

„The whole business about being an artist is you don’t have to do what you’re told to do. There are no rules.“ Das sagte Rose Wylie 2020 in einem Interview. Und in ihrer Kunst ist dieser Freiheitsgedanke augenscheinlich verwirklicht. Die Arbeiten der britischen Künstlerin wirken unmittelbar, ihre Lebendigkeit springt uns an. In ihrer Lithografieserie „Things around the House“ von 2016 zeigt sich dieses Spielerische, auch in Abgrenzung zum Zögerlichen, zum Konzeptuellen. Ganz unterschiedlich gestimmte Frauen, Insekten, teils flatternd, ein krabbelndes Spinnentier, eine Doppeltür mit Fenstern, geschlossen – Wylie konzentriert sich auf die Essenz von Dingen und Menschen, auf das, was ihr mehr oder weniger zufällig begegnet, wie es sich ihr zeigt.

Die Arbeiten der britischen Künstlerin wirken unmittelbar, ihre Lebendigkeit springt uns an. In ihrer Lithografieserie „Things around the House“ von 2016 zeigt sich dieses Spielerische, auch in Abgrenzung zum Zögerlichen, zum Konzeptuellen. Ganz unterschiedlich gestimmte Frauen, Insekten, teils flatternd, ein krabbelndes Spinnentier, eine Doppeltür mit Fenstern, geschlossen – Wylie konzentriert sich auf die Essenz von Dingen und Menschen, auf das, was ihr mehr oder weniger zufällig begegnet, wie es sich ihr zeigt. Zwei ihrer Fundgruben sind ihr Haus und ihre Umgebung in Kent. 1934 dort geboren, ist sie bis heute der Grafschaft treu geblieben. Sie begann früh zu malen, setzte lange aus, um ihre Kinder großzuziehen, begann erneut. Und nun hat sie Erfolg, großen, sehr späten Erfolg. Wylie scheint das nicht zu kümmern: „Suddenly, it all came together“, meint sie, „but the work is no different, and I’m no different.“

Ist die Badewanne der letzte Ort des Rückzugs und der Kontemplation? Die transformierende Kraft des Wassers in der Wanne, die als Dreh- und Angelpunkt besonders in Filmen genutzt wird, fängt Bianca Kennedy mit ihrer Edition „Portraits of Taking a Bath in Movies“ ein. Denn im Film spielt die Badewanne und das, was in ihr passiert, eine besondere Rolle: als Ort von lebensverändernden Geheimnissen, von Mord und Totschlag oder auch als Beichtstuhl, in dem Verborgenes preisgegeben wird.

Als 2008 die außergewöhnliche Anfrage kam, für die alte Krönungskirche der französischen Könige in Reims die Kappellenfenster neben denen Marc Chagalls zu entwerfen, wollte der deutsche Maler und Bildhauer Imi Knoebel erst nicht – er und Religion? Doch seine Frau erinnerte ihn an seine „Messerschnitte/Rot Gelb Blau“, eine Serie aus den 1970er-Jahren, in der Knoebel mit einem Cutter freihändig Formen – kurvig und spitz wie Glasscherben – aus bemaltem Papier zugeschnitten hatte, und er nahm sie als Vorlage für diese Aufgabe.

Auch dieser Siebdruck geht auf die „Messerschnitt“-Collagen zurück. Wie autarke Inseln schweben die Formen auf der Fläche – und verhalten sich dennoch zueinander. Sie scheinen miteinander zu kommunizieren, allerdings in einer Offenheit, die die Wahrnehmung des Betrachters schärft.

1998 zeigte Tillmans erstmals „nicht mit der Kamera gemachte Bilder“. Hierzu hat er entweder unbelichtetes Fotopapier oder solches, das vorher unterschiedlich farbigen Lichtquellen ausgesetzt war, durch die Entwicklungsmaschine geführt, wobei diese noch Spuren von Chemikalien oder Wasser enthielt. Indem das Papier diesen Vorgang durchläuft, kommt es zu Schlieren, Kratzern, Druckstellen oder anderen unvorhergesehenen Veränderungen. Auch für Fotografie von 2005, die Vorlage für den signierten Offsetprint mit dem Titel „It´s Only Love, Give It Away“ war, nutzt Tillmans dieses experimentelle Vorgehen. Das Ergebnis ist eine verblüffend körperliche, farbintensive und zugleich zarte Fotografie, deren letzte Exemplare wir heute auf artflash präsentieren.

Ein tiefverwurzeltes Misstrauen gegen alles, was ankomme, nannte C.O. Paeffgen (1933‒2019) einmal selbst als Motivation für sein künstlerisches Tun, mit dem er erst nach einem Jurastudium begann. Internationaler Aufmerksamkeit stand das nicht im Wege: Bereits 1968 stellte er bei der Galerie „art intermedia“ u.a. zusammen mit Joseph Beuys, Günther Uecker, Daniel Spoerri und Gerhard Richter aus. Seine Werke wurden in zahlreichen renommierten Kunstinstitutionen wie der Nationalgalerie Berlin, dem Museum Ludwig in Köln oder dem Museum Kunstpalast in Düsseldorf gezeigt und sind u.a. in der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland und der Sammlung des Von der Heydt-Museums Wuppertal vertreten.

Den C-Print „Letter Phase 66–67“ hat Hubbard 2011 für die renommierte Kunstzeitschrift Texte zur Kunst konzipiert. Über gestreifte und monochrome Stoffe ist eine Buchstabengruppe gestreut. Die Schriftzeichen und ihr Untergrund überlagern und durchdringen sich gegenseitig. So lassen sich die Bildebenen nicht mehr eindeutig bestimmen und die Lesbarkeit wird erschwert. Die Buchstaben scheinen wie bei einer Explosion an den Rand des Blattes vorzustoßen. Und tatsächlich tritt die Zeichenfolge B-O-M-B hier aus der Fläche hervor. Zusammengenommen ergeben die beiden Bilder also eine Art visuelle Dichtung, die einen zeitlichen Prozess mit abstrakten Mitteln zum Ausdruck bringt.