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Carsten Nicolai
Da Vinci? Yin und Yang? Galileo Galileis Werk als künstlerische Metapher? In „Pol Figur“ kommt eine wichtige Grundkonstante in Nicolais Schaffen zur Geltung: der Verweis auf die Naturwissenschaften. „Wir Menschen versuchen, das Denken immer mehr den Maschinen zu überlassen. Gleichzeitig versuchen wir selbst immer mechanischer zu werden. Es ist fantastisch, dass wir uns immer stärker dieser Polarität, diesem Konflikt aussetzen“, sagt der Künstler. Gerade die Härte, Strenge und Stringenz seiner Arbeit macht diese so faszinierend, und sie entfaltet eine große suggestive Wirkung
Carsten Nicolai, POL-Figur
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Piero Dorazio
The Italian abstract artist Piero Dorazio begins to paint at a zero point for the fine arts. Following World War Two, he embarks on a quest to find his own visual language: One that doesn’t illustrate anything but suffices entirely on its own. Through his paintings and sketches, the artist creates virtual colour spaces. In the spirit of Kazimir Malevich and Paul Klee, he pushes the abstraction of colour to its limits, translating visual art into subtle poetry.
Dorazio’s biography as an artist reads like a picture book: In 1947, he joins the École des Beaux-Arts in Paris. There, he meets Henri Matisse and Georges Braque. In 1953, he starts teaching at Harvard, where he meets Willem de Kooning and Robert Rauschenberg. He begins to receive invitations to the great international art shows: to the documenta in Kassel, Germany, to the Biennale in Venice. In 1961, he receives the renowned Prix Kandinsky.
Dorazio, however, longs for silence. He retreats into a deserted monastery in Italy where he creates works of art that merely appear simple because they are crafted from a place of technical perfection. Today, Dorazio’s life’s work is being rediscovered as a result of the big comeback of the ZERO movement.
Piero Dorazio, Palpito della Luce
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David Shrigley
„Particles of Truth“ (2018) passt gut zur derzeitigen Winterstimmung. Funkelnde Sterne am nachtklaren Himmel setzen in Ersterem den von Hoffnungen getränkten Gedankenfluss am Jahresanfang in Gang. Nicht minder poetisch ist David Shrigleys anderes Werk „Moon“. Auch hier wirkt das Tiefschwarz der Nacht magisch. Das Auge folgt der weißen Linie hinein ins Innere des Bildes. Der Wunsch, auf dem Mond zu landen, wird von Millisekunde zu Millisekunde stärker. Shrigley heißt in diesen beiden im Linolschnitt gefertigten Bildern die Nacht willkommen.
David Shrigley, Particles of Truth
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David Shrigley
„Moon“ (2019) passt gut zur derzeitigen Winterstimmung. Funkelnde Sterne am nachtklaren Himmel setzen in Ersterem den von Hoffnungen getränkten Gedankenfluss am Jahresanfang in Gang. Nicht minder poetisch ist David Shrigleys anderes Werk „Moon“. Auch hier wirkt das Tiefschwarz der Nacht magisch. Das Auge folgt der weißen Linie hinein ins Innere des Bildes. Der Wunsch, auf dem Mond zu landen, wird von Millisekunde zu Millisekunde stärker. Shrigley heißt in diesen beiden im Linolschnitt gefertigten Bildern die Nacht willkommen.
David Shrigley, Moon
Out of stock
Rosemarie Trockel
Sie ist eine der bedeutendsten und vielseitigsten deutschen KünstlerInnen überhaupt: Rosemarie Trockel, die in den 70er Jahren erst Anthropologie, Theologie und Mathematik studierte, bevor sie zum Kunst- und Designstudium nach Köln wechselte, fertigt Skulpturen, Zeichnungen, Installationen und Objekte, die aus dem Rahmen fallen – unvorhersehbar, rätselhaft und lebendig.
Rosemarie Trockel, Ohne Titel
On inquiry
Lars-Gunnar Nordström
Lars-Gunnar Nordström war ein finnischer Maler, Grafikdesigner, Bildhauer und Jazzliebhaber. 1924 geboren, arbeitete er über Jahrzehnte an seinem künstlerischen Werk, bevor er 2014 im hohen Alter von 90 Jahren starb. Als Pionier der Konkreten Kunst in Finnland schuf Nordström ein Œuvre aus streng komponierten Formen und Farben. Musik war dabei eine seiner wichtigsten Inspirationsquellen.
Lars-Gunnar Nordström, Composition
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Lothar Quinte
Lothar Quintes handsignierter Siebdruck o. T. aus dem Jahr 1972 fügt sich ein in sein ungegenständliches, von vorgegebenen Denkräumen in der Malerei weitgehend unbelastetes Werk, das so die Chance einer vorurteilsfreien Betrachtung in sich birgt. Und in dieser Arbeit gibt es einiges zu entdecken: Denn hier handelt es sich nicht um ein schlichtes gelbes Quadrat, sondern Quinte bringt hier die Farbe gleichsam zum Schwingen. „Was ich male, bin ich“, mit diesem Satz betonte Quinte einmal die Ernsthaftigkeit seiner Kunst. Dass sie dabei dennoch vieldeutig bleibt, eröffnet zugleich auch einen Resonanzraum für das eigene Ich, das auf verlockende Art und Weise emotional herausgefordert wird. Somit schuf Quinte nichts weniger als ein universelles Moment und damit eine Kunst, der ein Wahrheitskern innewohnt.
Lothar Quinte, Ohne Titel
Out of stock
Miriam Vlaming
Miriam Vlaming ist es gelungen, einen festen Platz als Malerin in der männlich dominierten Kunstwelt einzunehmen. Von Arno Rink, deren Meisterschülerin sie an der renommierten Hochschule für Grafik und Buchdruck in Leipzig war, lernte sie, dass „Kunst machen“ eine Haltung ist, die nicht nach getaner Arbeit abgelegt werden kann.
Miriam Vlaming, Berlin Babylon Girl
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Tilo Baumgärtel
Unwirklich surreal und gleichzeitig beunruhigend konkret ist die Malerei, mit der Tilo Baumgärtel, geboren 1972 in Leipzig, zu einem der international erfolgreichsten Vertreter der „Neuen Leipziger Schule“ rund um Künstlerkollegen wie Neo Rauch geworden ist.
Der ehemalige Meisterschüler von Arno Rink an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig hat nach alter Tradition malen gelernt. In seinen meist großformatigen Arbeiten voll schemenhafter Figuren, kulissenartiger Räume und unheimlicher Landschaften bringt er heute eindrücklich das Gefühl der neuen Zeit zum Ausdruck. Es sind surreale Stimmungsbilder aus einer unsicheren Welt, deren Realität so faszinierend verschoben erscheint wie die unserer Träume. Baumgärtels Werke sind in zahlreichen internationalen Privatsammlungen vertreten, wie etwa in der Rubell Family Collection, Miami.
Tilo Baumgärtel, Opposite Day
Available
Tilo Baumgärtel
Unwirklich surreal und gleichzeitig beunruhigend konkret ist die Malerei, mit der Tilo Baumgärtel, geboren 1972 in Leipzig, zu einem der international erfolgreichsten Vertreter der „Neuen Leipziger Schule“ rund um Künstlerkollegen wie Neo Rauch geworden ist. Der ehemalige Meisterschüler von Arno Rink an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig hat nach alter Tradition malen gelernt. In seinen meist großformatigen Arbeiten voll schemenhafter Figuren, kulissenartiger Räume und unheimlicher Landschaften bringt er heute eindrücklich das Gefühl der neuen Zeit zum Ausdruck. Es sind surreale Stimmungsbilder aus einer unsicheren Welt, deren Realität so faszinierend verschoben erscheint wie die unserer Träume. Baumgärtels Werke sind in zahlreichen internationalen Privatsammlungen vertreten, wie etwa in der Rubell Family Collection, Miami.
Tilo Baumgärtel, Zone
Available
Neo Rauch
Die Blicke der „Hofgesellschaft“ in der gleichnamigen signierten Lithografie von Neo Rauch, der als bedeutendster Vertreter der sogenannten Neuen Leipziger Schule gilt und international hoch gehandelt wird, sind ernst und durchdringend. Selbstbewusst stemmt der Herr im Vordergrund mit dem halblangen Haar und dem Bart seine Hände in die Hüften. Und keck schaut die Frau, die ihren Kopf zur Seite neigt und im Bildhintergrund an der Wand des schiefen Hauses lehnt. Nur der Mann neben ihr steht etwas verunsichert da, eine Krone wie ein Überbleibsel eines Kostümfestes schief auf dem Kopf. Es scheint etwas zu verteidigen zu geben auf diesem Grundstück, das der Betrachter gedanklich längst betreten hat, denn Rauchs Bildwelten sind höchst narrativ.
Neo Rauch, Hofgesellschaft
Out of stock
John Cage
Der „Mozart Mix“ von John Cage ist das wahrscheinlich erste Sound-Multiple überhaupt. Herausgeber René Block arbeitete damals eng mit dem Künstler zusammen. „Nach der Klanginstallation ‚33 ½‘ von 1982 existierte der Wunsch nach einem Multiple, das Cages Idee von Klang repräsentieren könnte.“ Bei „33 1/3“ wurde aus einem Konzertstück eine Installation, in der das Publikum aus 100 Schallplatten an 12 Plattenspielern eine Klangmischung erschaffen konnte. „1991 – zum Mozartjahr – entstand dann ‚Mozart Mix‘“, so Block. Eine Klanginstallation in einem Holzkasten, hergestellt in einer Auflage von 35 Exemplaren, Mozarts Lebensjahren entsprechend. 25 Endloskassetten unterschiedlicher Länge enthalten verschiedene Mozart-Stücke, jeweils fünf werden gleichzeitig abgespielt – ein neuer Soundmix entsteht.
John Cage, Mozart Mix
On inquiry
Robert Indiana
Er war einer der Hauptvertreter der amerikanischen Pop-Art. Robert Indiana wurde 1928 unter dem bürgerlichen Namen Robert Clark in New Castle, Indiana, geboren. Bekannt wurde er durch seine Textbilder. Sein Buchstabenwerk „LOVE“ (1966) hat ihn weltweit berühmt gemacht. Angeregt wurde die Idee zu „LOVE“ vom New Yorker Museum of Modern Art, das Indiana im Jahr 1965 darum bat, eine Weihnachtsgrußkarte zu gestalten. Erst später entstanden seine LOVE-Walls und LOVE-Skulpturen. Die schablonenhafte Schrift, adaptiert von der kommerziellen Schildermalerei, wurde zum Leitmotiv all seiner „Sign-Paintings“. Sie sind auch gestaltgebend in der vorliegenden Edition.
Robert Indiana, To the Bridge
Out of stock
Rainer Fetting
Rainer Fetting, geboren 1949 in Wilhelmshaven, ist ein scharfsinniger Beobachter der Stadt. Seine provokante Malerei fängt ihre Stimmungen und charakteristischen Szenen ein. Zugleich ist er ein Maler des Undergrounds. Dazu war er, wie er selbst sagt, immer dort, wo es „aufregend“ war. In den 70er Jahren war dies Westberlin und Kreuzberg. Zu dieser Zeit malt Fetting seine berühmte Serie der „Mauerbilder“. Noch als Meisterschüler an der HdK gründet er 1977 mit Bernd Zimmer, Helmut Middendorf und Salomé die legendäre „Galerie am Moritzplatz“. Wenige Jahre später ist er, einer der „Moritzboys“, als Maler ein Weltstar. Fettings Werk ist ein Bekenntnis zur Malerei: expressiver Pinselduktus, kraftvolle Farbpalette. Er gilt als wichtiger Vertreter der „Neuen Wilden“. Sammler und Galeristen kommen in Scharen. In den 80er Jahren richtet er sich einen zweiten Wohnsitz in Manhattan, New York, ein. Hier entstehen Ansichten der Stadt am Hudson, seine Taxibilder, die „Yellow Cabs“.
Rainer Fetting, Two N.Y. Kids
Out of stock
Françoise Pétrovitch
„Rougir“, deutsch „erröten“, so heißt eine ganze Serie von Siebdrucken der Künstlerin Françoise Pétrovitch. Mit der Grundfarbe Rot, einer Farbe, die Emotionen und Gefahr symbolisiert, wurde diese Arbeit gedruckt. Weiß ist die zweite Hauptfarbe des Bildes, nicht nur als Hintergrund.
Françoise Pétrovitch, Rougir (bronzage)
Available
Françoise Pétrovitch
„Rougir“, deutsch „erröten“, so heißt eine ganze Serie von Siebdrucken der Künstlerin Françoise Pétrovitch. Mit der Grundfarbe Rot, einer Farbe, die Emotionen und Gefahr symbolisiert, wurde diese Arbeit gedruckt. Weiß ist die zweite Hauptfarbe des Bildes, nicht nur als Hintergrund.
Françoise Pétrovitch, Rougir (coulures)
Available
Françoise Pétrovitch
„Rougir“, deutsch „erröten“, so heißt eine ganze Serie von Siebdrucken der Künstlerin Françoise Pétrovitch. Mit der Grundfarbe Rot, einer Farbe, die Emotionen und Gefahr symbolisiert, wurde diese Arbeit gedruckt. Weiß ist die zweite Hauptfarbe des Bildes, nicht nur als Hintergrund.
Françoise Pétrovitch, Rougir (amies)
Available
Robert Indiana
Er war einer der Hauptvertreter der amerikanischen Pop-Art. Robert Indiana wurde 1928 unter dem bürgerlichen Namen Robert Clark in New Castle, Indiana, geboren. Bekannt wurde er durch seine Textbilder. Sein Buchstabenwerk „LOVE“ (1966) hat ihn weltweit berühmt gemacht. Angeregt wurde die Idee zu „LOVE“ vom New Yorker Museum of Modern Art, das Indiana im Jahr 1965 darum bat, eine Weihnachtsgrußkarte zu gestalten. Erst später entstanden seine LOVE-Walls und LOVE-Skulpturen. Die schablonenhafte Schrift, adaptiert von der kommerziellen Schildermalerei, wurde zum Leitmotiv all seiner „Sign-Paintings“. Sie sind auch gestaltgebend in der vorliegenden Edition.
Robert Indiana, Polygon Square
Available
Stefan Marx
„Ich wollte immer die visuelle Seite meiner Lieblingskultur mitgestalten.“ Das war der Teenagertraum von Stefan Marx, Künstler und Designer, der tief in der Skateboarder-Szene verankert ist. Bereits mit 16 Jahren gründete er sein eigenes T-Shirt-Label und brachte Zines in kleinen Auflagen heraus. Heute wird er heftigst umworben, sei es von Plattenfirmen, Verlagen oder Galerien. In Hamburg studierte er Typografie. Marx spricht von sich am liebsten als Zeichner. „Eine bewusste Entscheidung, Künstler zu werden, habe ich immer noch nicht getroffen“, sagt er. Es ist ihm wichtig, die Kunstwelt regelmäßig auch wieder verlassen zu können. Der Zauber seiner Arbeiten liegt im Alltäglichen, das sie verhandeln.
Stefan Marx, Feelings aren't final
On inquiry
Geneviève Claisse
Die Französin Geneviève Claisse (*1935) starb in 2018 im Alter von 83 Jahren. Sie war die Grande Dame der geometrischen Abstraktion. Claisse studierte an der École des Beaux-Arts in Paris. Ihre erste Ausstellung hatte sie 1960, in der Folge wurde ihr Œuvre weltweit in Museen und Galerien gezeigt. Herausragend ist die Stabilität im Schaffen der Malerin, auf ihr Werk ist Verlass. Stets herrscht ein Ungleichgewicht der Formen, die auf einen makellosen Farbauftrag treffen. Bei Claisse wird die Farbfläche lebendig, die Künstlerin war immer auf der Suche nach Bewegung. Insbesondere kommt diese Suche in ihren dreidimensionalen Arbeiten zum Ausdruck.
Geneviève Claisse, Composition géometrique
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Naja Conrad-Hansen
Naja Conrad-Hansen, halb Dänin, halb Finnin, absolvierte 2003 die Kopenhagener Royal Danish Academy of Fine Arts und arbeitet seitdem als Künstlerin und Illustratorin in der dänischen Hauptstadt. Neben der Zusammenarbeit mit Labels wie Adidas oder Louis Vuitton widmet sie sich freischaffend insbesondere der Ölmalerei und Tuschezeichnung. Sie zählt laut „Lürzers Archiv“, dem Fachmagazin der Kreativwirtschaft, zu den „200 besten Illustratoren weltweit“, ihr Werk ist in über 30 Büchern greifbar, darunter in ihrem preisgekrönten Kinderbuch „Drømmeprinsessen“ („Traumprinzessin“), das im Rahmen eines Wettbewerbs der Kopenhagener Kunstakademie und des Buchverlages Gyldenhal entstanden ist.
Stark geprägt hat Naja Conrad-Hansen ein Aufenthalt im West-Berlin der 1980er Jahre, wo sie in einem Wohnwagen lebte und die lebendige Undergroundszene der eingemauerten Stadt für sich entdeckte. Doch auch die 1920er Jahre mit ihren schillendern Charakteren und Geschichten sind in ihren aktuellen Werken deutlich spürbar.
Naja Conrad-Hansen, Black
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Mary Heilmann
Mary Heilmann gilt als eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart. Einst zierten ihre knallbunten, an Würfel erinnernden Gartenstühle das Dach des aufsehenerregenden Neubaus des Whitney Museum of American Art an der Gansevoort Street in New York. 2013 hat ihr das Kunstmuseum Bonn eine Doppelausstellung zusammen mit dem verstorbenen deutschen Künstler Blinky Palermo gewidmet.
Mary Heilmann, It´s raining today
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Ralph Gibson
Der Amerikaner Ralph Gibson ist ein gefeierter Fotograf, der seit den 1960er Jahren vor allem für seine schwarz-weiß-Aktaufnahmen international bekannt ist. 1939 in Los Angeles geboren, begleitete der junge Gibson häufig seinen Vater, einen Regieassistenten von Alfred Hitchcock, in die Studios von Hollywood und wurde so früh mit der Kamera vertraut. Später folgten Assistenzen für die berühmten Dokumentarfotografen Robert Frank und Dorothea Lange. Diese schwarz-weiß Fotografie ist ein rares Fundstück aus dem Jahr 1996, das fast vergriffen ist.
Ralph Gibson, In situ
Available
David Lynch
Es war Lynchs frühere Lebensgefährtin Isabella Rossellini, die dem legendären Kunsthändler Leo Castelli Arbeiten von ihm zeigte, 1989 hatte Lynch dann eine Ausstellung in Castellis Galerie in New York. Inzwischen waren seine Kunstwerke immer wieder in großen Werkschauen auch in Deutschland zu sehen. 2010 erhielt Lynch den renommierten Goslarer Kaiserring. Mit „The Unified Field“ hatte der Künstler 2014/15 eine große, viel beachtete Retrospektive in der Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Everything comes in circles.
David Lynch, Nude
On inquiry
Jiří Georg Dokoupil
Über 100 verschiedene Stile und Techniken werden Jiří Georg Dokoupil von der Kunstwelt zugeschrieben. Er selbst meinte schon 1992, eine Retrospektive seines Werkes werde einmal aussehen wie eine Gruppenausstellung von 20 Malern. Dies hat sich inzwischen bewahrheitet: Große Soloausstellungen in den Hamburger Deichtorhallen oder im Museo Nacional Reina Sofia in Madrid sind der eindrucksvolle Beleg dafür.
Jiří Georg Dokoupil , Köpfe
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Marcel Dzama
Marcel Dzama ist bekannt für seine detaillierten, feingliedrigen Zeichnungen. Gedämpfte Farben, obskure Figuren, erotische Motive und psychosexuelle Themen machen das Werk des kanadischen Künstlers unverkennbar. Dzama, der 1974 in Winnipeg geboren wurde, arbeitet darüber hinaus mit Skulptur, Malerei und Video. Er wird in New York und London von David Zwirner vertreten, einem der wichtigsten Galeristen weltweit.
Marcel Dzama, Opposition and Sister, Squares Reconciled Ex Libris Nr. 20
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Stefan Marx
Stefan Marx mag es einfach und konkret. Er zeichnet zumeist schwarz-weiß, Farbe ist ihm oftmals zu dekorativ. Dabei wird das Weiß ausgespart und nur das Schwarz gesetzt. Und Marx zeichnet schnell. „Ich habe mir angewöhnt, Dinge direkt durchzuziehen“, so der Künstler, der lieber Zeichner genannt werden möchte. Denn andernfalls sei die Stimmung vielleicht alsbald schon wieder eine andere. Und um diese Stimmung geht es ihm. Wie kann ich ein Lied bei mir haben, ohne die Musik laufen zu lassen? Wie kann ich Gefühl und Atmosphäre zeichnerisch beschreiben? Dem spürt Marx in seinen Bildern nach.
Stefan Marx, Rare Feelings
On inquiry
Stefan Marx
Stefan Marx mag es einfach und konkret. Er zeichnet zumeist schwarz-weiß, Farbe ist ihm oftmals zu dekorativ. Dabei wird das Weiß ausgespart und nur das Schwarz gesetzt. Und Marx zeichnet schnell. „Ich habe mir angewöhnt, Dinge direkt durchzuziehen“, so der Künstler, der lieber Zeichner genannt werden möchte. Denn andernfalls sei die Stimmung vielleicht alsbald schon wieder eine andere. Und um diese Stimmung geht es ihm. Wie kann ich ein Lied bei mir haben, ohne die Musik laufen zu lassen? Wie kann ich Gefühl und Atmosphäre zeichnerisch beschreiben? Dem spürt Marx in seinen Bildern nach. „Er hat eine Bildsprache entwickelt, ähnlich wie Keith Haring, die man weltweit verstehen kann“, so rühmte ihn der ehemalige Leiter des Hamburger Kunstvereins, Florian Waldvogel, einmal. Marx vermag also etwas, das ähnlich dem ist, was Musik kann.
Stefan Marx, Daylight is back tomorrow again
Out of stock
Roy Lichtenstein
Wer ist Freund, wer ist Feind? Wer hier spricht, das ist auf Roy Lichtensteins nach „Whaam!“ berühmtestem Kriegsbild nicht ganz klar. „As I Opened the Fire“ ist ein Triptychon, das wenige Sekunden zweier Kampfflugzeuge während der Schlacht zeigt. Das erste und das letzte der einem DC Comic mit dem Titel „All American Men of War“ nachempfundenen Panels vertauschte der gefeierte Pop-Art-Künstler, was das Verständnis dieser kurzen Episode zusätzlich erschwert. „As I Opened the Fire“ steht für Lichtensteins Vorliebe für Cartoons und Comics zu Beginn seiner Karriere und den Rückgriff auf die Populärkultur, mit der er und seine Weggenossen die bildende Kunst revolutionieren sollten.
Roy Lichtenstein, As I Opened the Fire
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Gunilla Jähnichen
Beinahe wäre die mysteriöse Figurenwelt von Gunilla Jähnichen für immer in der Versenkung verschwunden. Während Jähnichens Kunststudiums in den 1990ern war gegenständliche Malerei totgesagt. Es war eine Zeit des Umbruchs. Damien Hirst hatte gerade seine Nominierung für den Turner Prize eingeheimst, und die Young British Artists standen kurz davor, den Kunstmarkt aufzumischen.
<p>Ausgerechnet Stanley Brouwn, ein Urvater der Konzeptkunst, unterstützte Gunilla Jähnichen in ihrem figurativen Ansatz. Brouwn leitete ihre Meisterklasse an der Kunsthochschule Hamburg. Ihm ist es zu verdanken, dass die junge Halbschwedin ihre Figuren nicht länger heimlich malen musste: „Er fand meine Arbeit authentisch,“ sagt sie im Rückblick.
Gunilla Jähnichen, Mit Pony auf Bohne
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Meret Oppenheim
Meret Oppenheim gelang ein kometenhafter Aufstieg als Künstlerin. Der Schweifstern kann als Sinnbild für ihre frühe Karriere stehen. „Kleiner Komet“ heißt auch die monogrammierte Farbserigrafie aus dem Kerber Verlag. Hier erinnert er an eine Art Himmelsgefährt, umwebt von vielen kleinen Sternen, golden glänzend wie er. Stehen die zwei Kreise für ein androgynes Wesen? So jedenfalls, geschlechtsneutral, wünschte sich Oppenheim stets die Kunst.
Meret Oppenheim, Kleiner Komet
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Sigmar Polke
Die Serigrafie „Hallucie“ von 1998 hat eine Auflage von nur 70 Exemplaren. Eines davon befindet sich in einer der wichtigsten Kunstsammlungen weltweit: Das MoMA in New York beherbergt dieses Werk von Sigmar Polke. Die Darstellung folgt der Idee einer russischen Matrjoschka und ihrem Figur-in-der-Figur-Prinzip: So positionierte Polke hier eine seitlich stehende Frau mit blondem Haar und rosafarbenem Kleid im nur umrisshaft festgehaltenen Körper einer madonnenähnlichen Gestalt. Diese blickt mit verklärt anmutendem Ausdruck in Richtung des Betrachters. Die ineinander geschachtelten Frauen sind in der für Polke typischen Rastertechnik gemalt. Der Hintergrund in Schwarz-Weiß wirkt ironisch gebrochen, denn aus den Mustern und Formen ragen Gesichter von Mensch und Tier hervor.
Sigmar Polke, Hallucie
On inquiry
Sebastian Nebe
Sebastian Nebe gelingt immer wieder ein ganz besonderes Kunststück – so auch in seinem Unikat „Bungalow” in Öl: Er verschafft uns einen Zugang zu verschiedenen Zeitebenen der Orte, die er in den Blick nimmt – in einem einzigen Bild. Wie in einem unsichtbaren Zeitraffer nehmen wir den einst urwüchsigen und jetzt vom Menschen in Besitz genommenen Wald oder das einst bewohnte und jetzt zerstörte Haus wahr. So wirkt Nebes „Bungalow“ wie das Setting eines längst abgedrehten Films. Kunst- und Zivilisationsgeschichte sind spürbar zugegen in seinen Werken, die nichtsdestominder ganz eindeutig in der Gegenwart verortet sind.
Sebastian Nebe, Bungalow (Unikat)
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Nadine Wölk
Es ist ein tiefes und irgendwie vertrautes Blau, das aus den „Nightlife III“-Werken von Nadine Wölk dunkel strahlt – dunkel wie die Nacht, in denen die Dresdner Künstlerin so furios mit Lichtreflexen spielt, ihren Namen verdanken. Vertraut ist das Blau vielleicht auch deshalb, weil es aus Kugelschreibern stammt – eine zeitaufwendige, von ihr aufgrund eines Zufalls erprobte Maltechnik, die für Wölks Hingabe spricht. Die Künstlerin arbeitet oft mit alltäglichen Materialien, darunter auch Filz- und Lackstifte oder Schreibpapier aus Hotels. Was sie einfängt, ist Coolness und Intimität zugleich. Dass sie den Porträtierten nahe ist, ist unmittelbar zu spüren. Was ihr dabei jedoch gelingt: dass sich der Betrachter in keiner Weise ausgeschlossen fühlt.
Nadine Wölk, Nightlife III. 11 (Unikat)
Available
Dorothy Iannone
Welche Antwort gibt man auf diese Frage: „Doesn't everyone make mistakes in September?" Auf 2014 datiert ist diese Edition in Schwarz-Weiß. Die Originalzeichnung entstand bereits 1976. Damals zeichnete Dorothy Iannone das Motiv auf eine Postkarte. Noch im selben Jahr gab die in Boston, Massachusetts, geborene Künstlerin ihrem Leben eine neue Richtung und ging mit einem DAAD-Stipendium nach Berlin. Dort lebt sie bis heute. Neben dem ironisch anmutenden Text der Zeichnung fällt Iannones explizite Bildsprache ins Auge, ein Mix aus Comic-Ästhetik und tantrischer Malerei bzw. buddhistischer Motivik. Letztere entdeckte die Künstlerin auf ihren Auslandsreisen.
Weibliche Sexualität, freie Liebe: Iannones Kunst der Kompromisslosigkeit verweigert bereits seit den 1960er Jahren die Zensur. In Gemälden, Texten, Bilderzählungen und Filmen kämpft sie für die Emanzipation. Ihr Werk dreht sich um die sexuelle, aber auch intellektuelle Unabhängigkeit der Frau und ihrer Gleichheit im Verhältnis zum Mann.
Dorothy Iannone, Doesn’t Everyone Make Mistakes in September?
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Ed Ruscha
Ed Ruscha is a pioneer of American conceptual art who influenced artists like Bruce Nauman all the way to Lawrence Wiener.
He is celebrated as the “King of the West Coast” for his unique visual language that reaches all the way from cool, elegant and desolate petrol stations and neon sign advertisements to letter pictures in which he explores the banality of everyday metropolitan life and the mass media.
Ed Ruscha, Metro Mattress #4
Olaf Hajek
Olaf Hajek (born 1965) is among the best-known and most sought-after illustrators in the world. He has created illustrations for the New York Times, the Guardian and SZ-Magazin, designed a postage stamp for the British Crown, illustrated a book for Little Gurus and devised advertising campaigns for a Swedish chocolate brand.
Next to his commissioned work, all of which Hajek creates using acrylic paint while living in Berlin, he is increasingly dedicating himself to painting on a freelance basis. His style is unique: With a repertoire of colours and forms that knows no limits, Hajek conjures up dreamlike, exotic worlds in which birds and insects congregate, snakes and human bodies intertwine and women don wondrous floral arrangements. With this edition exclusively created for Artflash, we may marvel at the enchanting beauty of a woman with lavish hair, a long neck and a richly adorned forehead. In front of her face, she holds a vibrantly coloured bird-of-paradise flower, spanning colours from ochre to red, from purple to bright blue. In that way, “Flower” recalls the colourful exuberance of the Impressionists, such as that of Paul Gauguin, yet exhibits complete timelessness — simply enticing!
Olaf Hajek, The Flower
Available
Anna und Bernhard Blume
Anna and Bernhard Blume are among the pioneers of staged photography. Their unmistakable photo stories are filled with humour, madness and irony. Their black and white images, inspired by both Dada and Fluxus, parody the life of the lower middle class.
The artist couple first met in the 1960s while studying at the Kunstakademie Düsseldorf. They were both born in North Rhine-Westphalia in 1937 and spent most of their time in Cologne until Bernhard Blume’s passing in 2011. Their photo series make the madness of everyday life tangible. The artists are seen dressed in bland suits and dresses in front of the camera. The setting for their distorted imageries is the domestic environment, the kitchen, the living room. The couple doesn’t shy away from getting physical, either. Potatoes zoom through the air, vases balance on noses, Mrs Blume flies off her chair, dumbfounded. From time to time, limbs can be seen protruding from the ruins. In 1977, Anna and Bernhard Blume participate in documenta 6. In 1989, the two make their way overseas and the Museum of Modern Art, New York exhibits their works. To this day, their photographs are displayed at domestic and international exhibitions alike, most recently in 2015 at the Centre Pompidou, Paris and at the Kolumba art museum in Cologne.
Anna und Bernhard Blume, Out of the series:
Available
Sigmar Polke
Sigmar Polke’s artistic career already began at the age of six. Back then, he painted a bomber from whose belly swastikas rained down. He was a child of the war — like his artist friend Gerhard Richter, and like Richter he had fled from the GDR to West Germany. The two met at the Kunstakademie Düsseldorf, where they proclaimed the “capitalist realism” movement, in opposition to the dictates that they had experienced in East Germany. They received attention from the start, but Polke became world-renowned thanks to his painting “Höhere Wesen befahlen: rechte obere Ecke schwarz malen!” (“Higher beings commanded: Paint the upper corner black!”) from 1969. Except for the black corner, the demand is noted on the white canvas in typewriter font.
Polke didn’t shy away from expressing irony and rebelled against the elevation of artistic creation and the art industry — though he would later become one of the highest-traded German artists. In 1972, curator Harald Szeemann invited him to the Documenta 5. Polke would subsequently also appear at the Documenta 6 and 7. In 1986, Polke received the Golden Lion for the German Pavilion at the Venice Biennale, and in 2002 the Praemium Imperiale in Tokyo, to name only two of his many honours.
Sigmar Polke, Undesired Gifts (Unerwünschte Geschenke)
On inquiry
Christo
24 Jahre lang bemühten sich Christo und Jeanne-Claude um die Realisierung ihres Projekts „Verhüllter Reichstag“. Mit 292:223 Stimmen (bei 9 Enthaltungen) endete schließlich am 25. Februar 1994 die Abstimmung im Deutschen Bundestag – mehr als eine Stunde war dort über das Kunstwerk debattiert worden.
Wenn man die magischen Bilder der Aktion sieht und Zeitzeugen hört, lässt sich nur schwer nachvollziehen, wie viele Widerstände es damals gab. Dabei war dem Künstlerpaar die Bedeutung ihres Projekts durchaus bewusst. „Wir verhüllen nicht nur ein Gebäude. Wir verhüllen die deutsche Angst, den deutschen Stolz, die deutsche Vergangenheit“, sagte Jeanne-Claude 1995 in einem ZEIT-Interview.
Die handsignierte Edition „Reichstag X“ zeigt die gewaltigen Ausmaße der Verhüllungsaktion ‒ die fließenden Stoffbahnen erscheinen in ihren schieren Abmessungen auch im Rückblick noch wie ein Wunder.
Christo, Reichstag X
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Michael Sailstorfer
Eine seiner frühesten Arbeiten verwirklichte Michael Sailstorfer noch ohne Auftraggeber: Er stattete Wartehäuschen an Bushaltestellen in seiner bayrischen Heimat mit Betten, Kochstellen, Tischen, Stühlen und Toiletten aus und nannte seine Installationen „Wohnen mit Verkehrsanbindung“. Und schon sie verweisen auf zwei wichtige Komponenten seiner Arbeitsweise: die Lust an der Umwandlung von Alltagsobjekten und Humor.
Michael Sailstorfer, P 99
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Joseph Beuys
Aktionskünstler, Bildhauer, Sozialphilosoph und Exzentriker: Joseph Beuys gilt weltweit als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts überhaupt. Getreu seiner Maxime „Jeder Mensch ist ein Künstler" machte er auch sich selbst zum Kunstwerk: Sein Auftreten mit Hut, Sportweste und enormem Charisma bleibt einzigartig. In legendären Aktionen trug er, den Kopf mit Blattgold und Honig beschmiert, 1965 einen toten Hasen durch eine Ausstellung und führte damit vor, „wie man dem toten Hasen die Kunst erklärt", oder baute für die documenta 6 im Jahr 1977 seine „Honigpumpe am Arbeitsplatz", eine riesige, über mehrere Stockwerke verteilte Anlage, die insgesamt drei Zentner "Honig der marke Langnese" durch ein Schlauchsystem transportierte. Beuys’ Aktionen bestanden aus vielfach verstörenden Handlungen und Gesten, die unsere verkrusteten Denkmuster sprengen: verstiegen, aber nie verrückt – einfach, aber nie banal – genial.
Joseph Beuys, Beuys boxt für Direkte Demokratie
Out of stock
Friedrich Kunath
Friedrich Kunaths Werk ist getragen von Poetik, Melancholie, Ironie, Absurdität und Existenzialismus. Das Gewöhnliche spielt ebenso wie das Erhabene eine Rolle in seiner Kunst. Selbstbewusstsein und Zweifel widersprechen sich bei Kunath nicht. Seine Ausdrucksweise in Malerei, Zeichnung, Objektkunst, Fotografie, Video- sowie Mixed-Media-Installation und Performance ist immer überraschend und unendlich reich an Ideen. Seine Rauminszenierungen wirken oft befremdlich, verbinden das scheinbar Unvereinbare miteinander.
In der internationalen Kunstszene ist Kunath seit den späten 1990er Jahren erfolgreich und berühmt. Er wurde 1974 in Chemnitz geboren und wuchs in Ost-Berlin auf. Bei Walter Dahn studierte er an der Hochschule für Bildende Künste, heute lebt und arbeitet er in Los Angeles. 2012 erhielt er den renommierten Sprengel-Preis für Bildende Kunst.
Friedrich Kunath, I don't worry anymore
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Victor Vasarely
Sein malerisches Schlachtfeld war die geometrische Abstraktion. Und ihr fügte Victor Vasarely durch raffinierte Raumsuggestionen eine entscheidende Komponente hinzu: den optischen Effekt. Deshalb gilt der in Ungarn geborene Künstler (1908‒1997) als Vater der sogenannten Op-Art. Diese fordert uns mit wahrnehmungspsychologischen Wirkungen von Bildmustern heraus, löst Bewegungs- oder Flimmereffekte auf der Netzhaut aus. In die Kunst Vasarelys flossen auch seine Erfahrungen als Grafiker ein. Für die Olympiade in München 1972 entwarf er das offizielle spiralenförmige Logo. Und auch die Raute von Renault entstammt seinem Zeichenblock. Von 1955 bis 1968 waren seine Arbeiten regelmäßig auf der Kasseler Documenta zu sehen. Vasarely gründete im Jahr 1976 die Fondation Vasarely in Aix-en-Provence. In seiner Geburtsstadt Pécs eröffnete 1976 das Vasarely-Museum. Ein weiteres folgte 1987 in Budapest.
In 2018 / 2019 zeigt das Städel Museum in Frankfurt eine Retrospektive des Künstlers.
Victor Vasarely, Voeroech
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Josh Klassman
Josh Klassman ist ein Insider, ein Skater, ein Fotograf. Er wuchs in Venice, dem westlichen Stadtteil von Los Angeles auf. Venice hat Kultstatus, Teenager aus aller Welt feiern mit Venice-Beach-T-Shirts den ewigen Sommer. Nicht weit vom Strand entfernt liegt der berüchtigte Venice Pavilion. Er war ab den 1970er Jahren nicht nur legendärer Skatepark, sondern auch ein gefährliches Pflaster mit täglichen Gang-Shootings. Hier verbrachte Klassman seine Jugend und dokumentierte mit seiner Nikon FM2 die Skate- und Surfszene der 80er und 90er Jahre. „My photos are an insiders perspective, I was a part of all you see, it was my everyday life.“ Klassmans Fotoarchiv aus analogen schwarz-weiß Bildern versammelt heute wertvolle Momentaufnahmen. Sie dokumentieren eine Zeit, in der aus Pionieren der Skateszene, wie beispielsweise Jay Adams, die ersten Profiskater wurden.
Josh Klassman, Bela Horvath, Surfstyle, Venice Pavilion (RIP), Venice Ca, Venice 1980s
On inquiry
Louise Bourgeois
It is no exaggeration to call Louise Bourgeois the grand dame of contemporary art. The artist who died in 2010 with 98 years of age was exhibited in the biggest museums worldwide and in 1982 the Museum of Modern Art in New York even dedicated a solo-exhibition to her - it was the first time in the museum’s history that this honour was shown
to a woman. Despite that Bourgeois is also known as on of the most expensive artists worldwide and her sculptures, installations of bronze, marble, plaster and latex are
achieving the highest offers. Nevertheless this honouring is not necessarily in Bourgeois personal interest. The emancipated artist, who was born in France but lived in New York since 1938, always rebelled against the conventional and against what was supposed to be suited for a lady. Even when she was in her later years Bourgeois still organized her legendary salons in her studio in Chelsea and looked for the exchange with young artists
She remained a person of inquiry, who used her autobiographical inspired art to address feelings of anxiousness, hatred, madness and most of all her traumatizing childhood memories.
Louise Bourgeois, The Reticent Child
On inquiry
Raymond Pettibon
For some, he is "one of the most powerful chroniclers of the American Dream", for others, the illustrator of American punk rock - who designed album covers for bands like "Black Flag" and " Sonic Youth" - is legendary. The artist in question is Californian Raymond Pettibon (born 1957). In the early 1980s, Pettibon began to publish his ink drawings, which often combine socially critical texts with images. The punk fans became art collectors and Pettibon became one of the most sought after contemporary artists to date.
Raymond Pettibon, One more line