Some editions you may have missed

Eine „feine Ironie“ und „Skepsis gegenüber der Rolle des Künstlers“ hat man dem Maler K. H. Hödicke attestiert. Auch die signierte großformatige Lithografie „Nichts auf der Pfanne“ von 2001 ‒ zwei leere Pfannen und ein Wasserkocher, mit wenigen lässig-perfekten Strichen skizziert ‒ reflektiert das: Die schon im Titel anklingende Doppeldeutigkeit macht in Bezug sowohl auf das schwierige Künstlerdasein Sinn (Hödicke arbeitete nach seinem Studium zunächst nicht nur an seinen Leinwänden, sondern auch bei der Post) als auch auf den mit Geld gesättigten Kunstmarkt, der als vermeintliches Qualitätskriterium vor allem die Verkaufszahlen eines Künstlers im Visier hat.

Das Figurative, eine reduzierte Formensprache, der schwungvolle Strich, die selbstbewusste Geste – das sind charakteristische Merkmale im Werk K. H. Hödickes. Sie spiegeln sich wider in der im Jahr 2008 entstandenen, signierten Offsetlithografie: ein Akt, in dem das Spiel mit Formen und Farbe genauso wichtig zu sein scheint wie die Figur – und in dem auch das Vergnügliche durchschimmert, das es bei Hödicke zu entdecken gibt. Die Freiheit des Weißraums im unteren Bildteil nimmt er sich – wie jene, figürlich statt abstrakt zu malen, ganz zu Beginn seiner Malerei. Es ist ein exklusiver Druck, der dem Künstlerbuch „Kohle“ beiliegt. In diesem Band finden sich großformatige Kohlezeichnungen und ein ganzes Spektrum von Hödicke-Arbeiten aus den 70er Jahren: von pointierten, raschen Skizzen bis hin zu ausgereiften Werken. Was sich auch darin zeigt: „Verknöchert“ ist das letzte Attribut, das Hödicke anzuhängen wäre. Seine Werke altern einfach nicht.

Der Münchener Günter Fruhtrunk, geboren 1923, gestorben 1982, war Maler und Grafiker. Er ist ein wichtiger Vertreter der Nachkriegskunst im Bereich der konstruktiven Malerei. Sein Thema galt der Abstraktion. 1951 machte Fruhtrunk eine Reise nach Paris und arbeitete im Atelier von Fernand Léger. Im Jahr 1955 arbeitete er im Atelier von Hans Arp. Fruhtrunk nahm an der 4. Documenta in Kassel und an der 34. Biennale in Venedig teil. Von 1967 bis zu seinem Tod war er Professor an der Akademie der Bildenden Künste München. Sein bekanntestes Werk: Das 1970 gestaltete Design auf der Plastik-Tüte des Supermarkt-Discounters Aldi-Nord, vermutlich gibt es keine weitere Edition weltweit, die so häufig so günstig verkauft wurde. Erst im letzten Jahr wurde die Produktion der Fruhtrunk-Plastik-Tüte eingestellt.

Kreise überlagern sich. Sie wecken Assoziationen an Planeten wie die Erde, an Himmelskörper wie die Sonne oder den Mond. Es herrscht Bewegung. Dunkelschwarze und leuchtende Farben erzeugen emotionale Wucht. Wir sind involviert in das, was wir sehen, auch wenn Gfeller & Hellsgård in ihrer Siebdruck-Unikatserie „Stalker“ keine ersichtliche Erzählung mitliefern. Vor allem die Farben katapultieren uns ins Jetzt. Neonfarbiges taucht immer wieder auf in dem vor Einfallsreichtum nur so strotzenden Gesamtwerk des schwedisch-französischen Künstler*innenduos. Stets aufs Neue werden die Grenzen des virtuos beherrschten kreativen Druckprozesses überdacht, dekonstruiert und verschoben.

Architektur, Design, Malerei, Skulptur. Der kubanisch-amerikanische Künstler Jorge Pardo ist ein Virtuose des Cross-over. Subtil bewegt sich sein Werk zwischen diesen Welten. Statt konventioneller Kunstbetrachtung setzt er in seinen Installationen auf gezielte Irritation. Seine ortsbezogenen Objekte sind alltagstauglich und dennoch ästhetisch autonom. Die Frage nach Bildender Kunst oder Design, nach Kunst und Leben beantwortet er mit organisch anmutenden Formen, lebendigen Farben, natürlichen wie industriell gefertigten Materialien. Was löst ein Objekt an dem jeweiligen Ort aus? Die Wahrnehmung steht im Zentrum des 1963 in Havanna geborenen und heute in Los Angeles lebenden Künstlers. Seit 2002 beherbergt das Ständehaus in Düsseldorf die „Pardo Bar“. In fröhlichem Seifenblasenmuster entwarf Pardo dazu das Wand- und Lichtkonzept. Außerdem gestaltete er das „untitled restaurant“ im Paul-Löbe-Haus des Deutschen Bundestages.

„Why Should I Hesitate“ („Warum sollte ich zögern“) – so lautet der erste Teil des Titels der aktuellen Ausstellung in den Hamburger Deichtorhallen, die William Kentridge in Zusammenarbeit mit dem Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA) konzipiert hat. Der südafrikanische Künstler zitiert hier die Bemerkung eines jungen afrikanischen Soldaten, der im Ersten Weltkrieg einberufen wurde, um am Krieg in Europa teilzunehmen. Was geht ihn das an? Kentridge stellt sich selbst diese Frage in Bezug auf sein eigenes Zögern, sich als weißes Kind für die Belange der Schwarzen einzusetzen. Er schloss sich allerdings bereits in jungen Jahren der Anti-Apartheid-Bewegung an, und die Auseinandersetzung mit Rassismus und Kolonialismus ist tief verwoben in sein Werk. „Putting Drawings to Work“, so lautet der Untertitel der Hamburger Schau, was einmal mehr verdeutlicht: Von der Zeichnung geht bei Kentridge alles aus.

"Gerade das florale Element war für mich immer besonders wichtig. Das sind für mich einfach Symbole, die den Kreislauf des Lebens – Tod, Geburt, Blühen, Aufblühen, Vergänglichkeit – symbolisieren.“ Der Maler und Illustrator Olaf Hajek feiert die Welt der Blumen und Pflanzen in seinen „Flowerheads“, Porträts von Frauen, auf deren Köpfen farbenprächtige und symbolträchtige Stillleben wachsen.
In der im Mai 2020 entstandenen handsignierten Edition „Golden Tear“ zeigt sich eine wichtige Inspirationsquelle Hajeks: die Kunst Afrikas. Sie fasziniert und beeindruckt ihn zutiefst. Im Jahr 2011 verbrachte er drei Monate in Südafrika, um für eine Ausstellung in Kapstadt an neuen Werken zu arbeiten. In der Folge ist sein malerischer Duktus noch freier, seine Experimentierfreude noch größer geworden. Zugleich ist Hajek ein Geschichtenerzähler, seine Porträts erreichen auf ganz eigene Weise emotionale Tiefe. Man sollte sich Zeit nehmen für diese wirkkräftigen Werke. Denn schaut man sie an, begibt man sich auf kulturelle und seelische Entdeckungsreise und driftet ab ins verheißungsvolle Land der Fantasie.

David Shrigley ist ein Meister der grafischen Symbole. Mit seiner Arbeit „Fire Hydrant“ (2014) widmet er sich dem Thema Brandschutz. Vor rotem Hintergrund erscheint in Weiß die Silhouette eines Feuerlöschers. Das Brandschutzschild wurde von Shrigley jedoch verfremdet: Ihm fehlen das Hinweisschild in Rot auf der Flasche und die auflodernden Flammen daneben. Das Symbol des Feuerlöschers wird damit seiner Funktion enthoben. Was bleibt, ist ein Icon aus einer Flaschenform in kontrastreichem Weiß vor Rot.

„Die wie eine kunstvolle japanische Papierarbeit aussehende Tapete der Marke Erfurt deutet auf einen einsamen Kampf hin, der sich mit viel Geduld gegen die eigenen vier Wände gerichtet haben mag.“ So lautete der Ausstellungstext zu einer Variante von Via Lewandowskys „Bis zur letzten Faser“ aus dem Jahr 2010. Von dieser Arbeit aus entspinnt sich ein komplexes Geflecht persönlicher wie die Gesellschaft betreffender Gedanken. Und auch wenn diese – wie so oft bei dem aus Dresden stammenden, in Berlin lebenden Künstler – an kein Ende gelangen, eröffnen sie doch Pfade, die zu gehen sich lohnt.

„Die Kamera ist ihr Wegbegleiter, ihr verlängerter Atem, fast möchte ich sagen, ein Geruchsorgan.“ So beschrieb kein Geringerer als der Schweizer Kunsthistoriker und Kurator Jean-Christophe Ammann bewundernd den besonderen Instinkt der Fotografin Sandra Mann. Früher flogen ihr auf ihren Streifzügen die Motive quasi zu. Sie habe „die unmöglichsten Bilder“ einfangen können, sagt sie selbst. Das gibt ihren Fotografien eine faszinierende Beiläufigkeit. Und dennoch „beißt“ sich der Blick stets fest an einem präzise eingefangenen Detail, verharrt auf vermeintlich Flüchtigem.
Glückwunsch an Sandra Mann, die in 2021 für ihre herausragenden Leistungen auf kulturellem Gebiet mit der Goetheplakette der Stadt Frankfurt am Main geehrt wurde!

„The story of where I come from and who I am today seems an inexhaustible source.“ Die in Wien lebende ungarische Künstlerin Éva Beresin beschreibt hier, woraus sie schöpft, und offenbart zugleich einen wesentlichen Eindruck ihres Werks: die Intimität. Beresins Herkunft ist fundamental für das Verständnis ihres künstlerischen Schaffens. Als Kind zweier Holocaust-Überlebender haben sich die Gräuel des Zweiten Weltkriegs auch in ihr eigenes Körpergedächtnis eingeschrieben. Denn die Traumata der Eltern endeten nicht mit deren Tod. „Sometimes in the paintings, I am moving naked and vulnerable, in order to be able to start a dialogue with those I was never able to actually meet“, schreibt Beresin noch. Details über ihre Familiengeschichte erfuhr sie erst, als sie nach dem Tod ihrer Mutter deren Tagebuch las – Grundlage für ihre bislang größte Werkreihe und das Buchprojekt „Acht Und Neunzig Seiten“.

Sie sind eine britische Institution. Seit 40 Jahren leben und arbeiten Gilbert & George (geb. 1943 und 1942) gemeinsam in East London. 1969 setzt sich das Künstlerpaar erstmals als „Living Sculptures“ in Szene ‒ damals eine Provokation für die Kunstwelt: Tadellos gekleidete Gentlemen singen unter einem Brückenbogen im Londoner Stadtzentrum den alten englischen Hit „Underneath the Arches“. Das Duo wird über Nacht berühmt, tritt mit metallisch angemalten Gesichtern in Galerien und Museen auf. Als Popstars der zeitgenössischen Kunst spielen sie ganz oben mit im internationalen Kunstgeschehen.

Ist die Badewanne der letzte Ort des Rückzugs und der Kontemplation? Die transformierende Kraft des Wassers in der Wanne, die als Dreh- und Angelpunkt besonders in Filmen genutzt wird, fängt Bianca Kennedy mit ihrer Edition „Portraits of Taking a Bath in Movies“ ein. Denn im Film spielt die Badewanne und das, was in ihr passiert, eine besondere Rolle: als Ort von lebensverändernden Geheimnissen, von Mord und Totschlag oder auch als Beichtstuhl, in dem Verborgenes preisgegeben wird.

„Ich mache Kunst, weil ich dann das Gefühl habe, hundert Prozent in mir zu ruhen,“ so beschreibt die japanische Installations- und Performancekünstlerin Chiharu Shiota die Motivation ihres künstlerischen Schaffens. In ihren Werken stellt sie sich Erinnerungen, unbewussten Ängsten, Obsessionen, Albträumen und Traumata. Intuitiv kreiert die Abramović-Schülerin raumgreifende Skulpturen aus häufig schwarzen Wollfäden, die ihr Markenzeichen sind. Spinnt darin Kleider, Betten oder Schuhe ein – und manchmal auch sich selbst. Objekte und der eigene Körper werden zu Bedeutungsträgern, zu Spiegeln existenzieller Fragen. Bewegt man sich in ihren Installationen, wird klar: Sie reichen über das Rationale hinaus. Chiharu Shiota lotet auf kraftvolle Weise die Grenzen unseres Bewusstseins aus.

Shepard Fairey, Kenny Scharf, Space Invader, Cleon Peterson und Friedrich Kunath – das sind nur einige der namhaften Künstler*innen, mit denen Tony Clough in seiner auf Serigrafien spezialisierten Druckwerkstatt „Serio Press“ in Pasadena schon zusammengearbeitet hat. Die Arbeiten sind im Wortsinn handgemacht, die Farben von Hand gemischt und jeweils einzeln gedruckt. Fairey war es auch, der Clough sein Atelier zur Verfügung stellte, bevor dieser – nach einem Grafikdesign-Studium und mehreren Jahren im renommierten Studio „Modern Multiple“ 2013 in die Selbstständigkeit gestartet – seine ersten eigenen Studioräume in Los Angeles eröffnete.

Wenn Oskar Rink anfängt zu arbeiten, folgt sie „einem Gefühl von Verliebtsein“, wie es die Künstlerin in einem Interview im aktuellen „Clouds“-Magazin beschreibt. Impulsgeber kann eine kleine Beobachtung, eine Begegnung, eine Form oder ein Zeitungsfoto sein. Rink benutzt Skizzen für Skulpturen, Papierkonstruktionen oder auch gebaute Modelle als Ausgangspunkte für ihre Malereien in Öl; daneben entstehen Objektwelten und Installationen. „Das Räumliche so weit zu abstrahieren, wie es mir möglich ist, bestimmt mein momentanes Interesse“, sagt sie. Die 1980 in Leipzig geborene Oskar Rink wuchs auf im Atelier ihres berühmten Vaters Arno Rink. Von ihm lernte sie die Grundlagen der Malerei. Sie studierte Modedesign in München und absolvierte ein Masterstudium am Sotheby’s Institute of Art/Contemporary Art Department in London. Rink stellt international aus und lebt heute wieder in Leipzig.

Der signierte Siebdruck „Composition“ von Verena Loewensberg (1912‒1986) aus dem Jahr 1966 zeigt dreierlei: die Konsequenz, mit der die Schweizer Künstlerin konkrete – das heißt zunächst ungegenständliche, programmatisch festgelegte und mathematisch begründete – Kunst schuf, die Poesie, die ihren Arbeiten innewohnt, und ihr Gespür für den Einsatz von Farbigkeit der daraus hervorgehenden psychisch-energetischen Kraft. Loewensbergs Werke basieren auf einfachen geometrischen Formen, die vor unseren Augen geradezu zu tanzen beginnen. Ihnen liegen für uns unsichtbare Muster zugrunde, die immer wieder neuen Gesetzen gehorchen. „Ich habe keine Theorie, ich bin darauf angewiesen, dass mir etwas einfällt“, sagte Loewensberg einmal – der eigene Anspruch an ihr künstlerisches Schaffen war hoch.

Das Fragile interessiert Françoise Pétrovitch, daher überrascht es nicht, dass ihr – obwohl sie mit unterschiedlichsten Materialien und Medien arbeitet – die Zeichnung die liebste künstlerische Technik ist. Dabei kommt es ihr auf die spontane Geste an, frei skizziert sie in einfachen Linien Figuren auf Papier. Diese changieren zwischen Kindheit und Erwachsensein, männlich und weiblich oder auch Mensch und Tier. Die Gestalten der 1964 in Chambéry geborenen Pétrovitch stehen meist isoliert auf weißem Grund. Das verleiht ihnen Kraft – vermittelt aber auch das Gefühl von Verlorenheit.
Zahlreiche öffentliche Sammlungen haben die Arbeiten der Künstlerin erworben, darunter der Fonds Régional d’Art Contemporain (FRAC) Alsace, der FRAC Haute-Normandie und das Musée d’art contemporain du Val-de-Marne (MAC/VAL). Pétrovitch lehrt an der École supérieure des arts et industries graphiques (ESAIG) in Paris.

Die Landschaft ist in den Werken der Berliner Künstlerin Michelle Jezierski Ausgangspunkt für Fragen des Raumes und unserer Wahrnehmung davon. Farbschichten türmen sich wie Wolken, Wellen oder Felsen auf, häufig überzogen von geometrischen Formen, die – Streiflichtern gleich - zusätzliche Tiefe und Dynamik erzeugen. Hell- und Dunkelkontraste, gedeckte und leuchtende Farben bestimmen die Atmosphäre darin, die uns Betrachter*innen auf ganz unterschiedliche, emotionale Weise einnimmt, so unterschiedlich wie das Licht an einem Morgen, im Vergleich zu dem am Tag und Abend oder in der Nacht.

„Das Ohr des Giacometti“ (1977) vermag auf liebevolle Art zu irritieren. Dieses kleine Objekt hat eine große Anziehungskraft. Im Bekannten wird das Unbekannte geweckt. Zuerst sehen wir ein Ohr, aber dann sehen wir eine Faust, die zwei Blüten wachsen lässt. Es ist eine ungewöhnliche Hommage an einen der größten Bildhauer des 20. Jahrhunderts und das intime Symbol einer einseitigen Liebe.

Pipilotti Rist wurde Mitte der 1980er und 1990er Jahre mit Einkanalvideos international bekannt und gilt als eine der bedeutendsten zeitgenössischen Videokünstlerinnen überhaupt. Werke der vielfach – u.a. 1997 mit dem Premio 2000 der Biennale di Venezia – ausgezeichneten Künstlerin befinden sich in den weltweit bedeutendsten Kunstsammlungen, darunter das Museum of Modern Art in New York, die Schweizerische Bundeskunstsammlung, der Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart in Berlin, der Centre Pompidou in Paris und die Pinakothek der Moderne in München.

Mit John Baldessaris Lithografie „Hot Tub“ (2016) reisen wir in die Vergangenheit. Das Foto zeigt eine Aufnahme aus den 70er Jahren. Ein Paar sitzt in einem Whirlpool, er hält einen Drink mit Eiswürfeln in der rechten Hand, umschlingt mit dem linken Arm seine Partnerin. Was tut sie? Sie schmiegt sich an seinen Körper. Irritierend, charmant und humorvoll: Das Paar sitzt angekleidet im sprudelnden Whirlpool-Wasser. Er trägt ein Hemd und sie eine Bluse, der Stoff klebt nass an ihren Körpern. Wer ist dieses Paar in Partystimmung? Baldessari macht eine Identifizierung unmöglich, mit Filzstift hat der Künstler die Gesichter unkenntlich gemacht. Datenschutz analog!

Die Karriere von Jamel Shabazz (*1960) als Fotograf begann in den 1980er Jahren, als Jean-Michel Basquiat und Keith Haring die Kunstszene von New York beherrschten. Shabbazz, der in Brooklyn geboren wurde und dort auch aufwuchs, fotografierte in seiner New Yorker Nachbarschaft das alltägliche Leben. Seine Aufnahmen halten förmlich inne, erhaschen die kleinen Momente inmitten der unaufhörlichen Menschenströme auf den Straßen und in der Metro der Megacity.

„His beach work focusses on the mundane with an honest eye“, befand „The New Yorker“ über den britischen Dokumentarfotografen. Nach Martin Parrs eigenen Worten gibt es keinen faszinierenderen Ort, um Menschen zu beobachten – hier entspannen sie, verlieren ihre Hemmungen, schälen sich die wahren Persönlichkeiten heraus.
Doch der Fotokünstler zeigt uns nicht nur Posen von Strandbesuchern im Porträt. Auf seinen Bildern lässt sich auch kollektives Verhalten studieren, das je nach Menschenmenge, Wetterlage oder Land variiert. So entstehen Wimmelbilder wie in Argentinien, ein Flickenteppich aus Handtüchern wie in Italien oder ein Badeevent mit Zuschauern in Wales – zu sehen auf den signierten und limitierten fünf Prints der Edition „Beach Therapy“.
„Tenby is the best“, befand Parr. Hier kaufte er sich eine Wohnung in Strandnähe. „It’s like a postcard. But, unless you’re in Wales, you don’t know about Tenby. All the British middle classes go to Padstow. But Tenby’s a secret, so keep it quiet.“ Darum funktionieren Parrs Fotografien so gut: Mögen sie auch noch so entlarvend sein, er liebt, was er dokumentiert. Vielleicht fahren wir demnächst einmal nach Tenby, aber verraten wird natürlich nichts, versprochen!

Unter dem Titel „Too Tired for Sunshine“ veröffentlichte die US-amerikanische Fotografin, Kuratorin und Filmemacherin Tara Wray im Jahr 2018 ein Buch, in dem sie sich fotografisch mit ihren Depressionen auseinandersetzte. Es ist eine Sammlung von Momentaufnahmen, von Stillleben, kleinen Details, hinter deren scheinbarer Banalität tief empfundene Traurigkeit hervordrängt, aber die aktive und künstlerische Auseinandersetzung auch Hoffnung gibt. Der Tragik des Lebens mit psychischen Erkrankungen metaphorisch, gar spielerisch Ausdruck verleihen, das gelingt Tara Wray meisterhaft in dieser Fotografie, der von einer Glasglocke zerquetschte Donut, die wir heute exklusiv auf artflash vorstellen!

Railroad Landscapes“ und „Carbon Country“ lauten die Titel zweier Serien des New Yorker Fotografen John Sanderson, dessen Bilder zumeist auf seinen vielen Reisen durch die Vereinigten Staaten entstehen. Es sind ikonische Motive der US-amerikanischen Landschaft, verlassene Gleise, Häuser oder Industrieanlagen, oft irgendwo im Nirgendwo. Mit der Kamera in der Hand erforscht Sanderson sein Land, verbindet dabei das Dokumentarische mit der Landschaftsfotografie. So auch in Wyoming, wo er „Bill“ traf, dessen Schattenporträt das in der Popkultur idealisierte Bild des Lonesome Cowboy zu einem Sinnbild für Einsamkeit und männliche Verletzlichkeit werden lässt.

Straßenfluchten, Familienporträts, Technik-, Dschungel-, Museumsbilder – Thomas Struths fotografische Sicht ist eine sehr persönliche Dokumentation der Welt von heute. Seine meist großformatigen Farbfotografien wirken auf den ersten Blick vertraut, auf den zweiten jedoch fremd. Nach längerer Betrachtung ermöglichen seine Bilderserien und Einzelwerke immer einen Zugewinn an Wissen. Das präzise Sehen, das den Dingen auf den Grund geht, zeichnet seine Fotografie aus. Es macht ihn zu einem der bedeutendsten Fotografen unserer Zeit. Struth, geboren 1954 in Geldern am Niederrhein, ist neben Andreas Gursky, Candida Höfer und Thomas Ruff einer der Protagonisten der berühmten Düsseldorfer Fotoschule. Zunächst studierte er Malerei bei Gerhard Richter, bevor er 1976 in die neu gegründete Klasse von Bernd Becher wechselte – und sich ganz der Fotografie zuwandte. In den 1990er Jahren hatte Struth eine Professur an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe inne. Er lebt und arbeitet in Berlin. Weltweit befinden sich seine Arbeiten in bedeutenden öffentlichen Sammlungen. Allein in Deutschland ist die Liste lang: Hamburger Kunsthalle, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin, Kunstmuseum Bonn, Museum Ludwig, Köln, Pinakothek der Moderne, München, und Museum Folkwang, Essen.

Ed Ruscha is a pioneer of American conceptual art who influenced artists like Bruce Nauman all the way to Lawrence Wiener.
He is celebrated as the “King of the West Coast” for his unique visual language that reaches all the way from cool, elegant and desolate petrol stations and neon sign advertisements to letter pictures in which he explores the banality of everyday metropolitan life and the mass media.

Daniel Richter, Jahrgang 1962, ist bekannt geworden durch seine Bilder in psychedelisch glühenden Farben, die meist einzelne Figuren oder Figurengruppen in apokalyptisch anmutenden Szenerien darstellen. Richter schaffe Bilder zur Weltgeschichte, in denen sich ein vieldeutiges Drama abspiele, er avanciere damit zum „modernen Historienmaler“, so die einhellige Meinung der Kunstwelt. Dass seine Arbeiten vielschichtig sind, teils verträumt, teils surreal, teils vollkommen abstrakt, beweist gerade eine große Schau im Wiener 21er Haus. Arbeiten von Richter befinden sich u. a. in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York, im Centre Pompidou in Paris und in der Sammlung Boros in Berlin.

For some, he is "one of the most powerful chroniclers of the American Dream", for others, the illustrator of American punk rock - who designed album covers for bands like "Black Flag" and " Sonic Youth" - is legendary. The artist in question is Californian Raymond Pettibon (born 1957). In the early 1980s, Pettibon began to publish his ink drawings, which often combine socially critical texts with images. The punk fans became art collectors and Pettibon became one of the most sought after contemporary artists to date.